https://virgool.ir/feed/@niloufarabi.comfa2026-11-11 21:05:19https://files.virgool.ir/upload/users/52888/avatar/KKfylH.pnghttps://virgool.ir/@niloufarabi.comhttps://virgool.ir/@niloufarabi.com/نقاشی-در-عصر-جدید-glkskyr1huzbکاتارینا گروس (katharina grosse) در فرایبورگ آلمان به دنیا آمد. او نقاشی را از سنین کودکی آغاز کرد. یک نقاشی، در ساده‌ترین تعریف خود برای گروس، صفحه ای است میان خالق آن و بیننده که هر دو می‌توانند فرآیندهای فکری ساکن بر روی این صفحه را از زوایای مختلف و در زمان های متفاوتی ببینند.برای گروس، مرزی میان نقاشی، مجسمه سازی و یا معماری وجود ندارد. او علاوه بر نقاشی بر روی بوم، بر روی ساختمان‌ها، درختان، فضای داخلی و غیره، آثارش را خلق می کند.گروس، مجسمه های بزرگی از جنس پلی اورتان، یونولیت و فلز نیز می سازد که به عنوان آرماتورهای انتزاعی برای نقاشی هایش عمل می کنند. کاتارینا گروس عمده شهرتش را مدیون نقاشی های درجا (in situ) خود می باشد که در آن رنگ مستقیما بر روی بنای معماری، فضای داخلی و چشم اندازها اسپری می شود.وی از رویدادها و حوادثی که به هنگام کار به وجود می آیند کاملا استقبال کرده و سطوح و فضا را به روی احتمالات بی شماری که متناسب با ابزار وجود دارند، می شکافد.پروانه سادات صنعتیپروانه سادات صنعتیSun, 10 Apr 2022 20:06:10 +0430https://virgool.ir/@niloufarabi.com/عکاسی-از-مجسمه-ها-yzzfhqzzjepoمتاسفانه بیشتر تصاویری که از مجسمه‌ها ثبت می‌شوند، نمی‌توانند به درستی جلوه‌گر ارزش هنری اثر باشند. تهیه‌ یک عکس فوری و مستقیم از یک مجسمه کار ساده‌ای است که تقریبا هر شخصی می تواند آن را انجام دهد. کیفیت هنری و خلاقیت حائز اهمیت می‌شود. این یک حقیقت تلخ است؛ شما با عکاسی نادرست از یک شاهکار مجسمه‌سازی، آن را نابود می کنید. عکس یک مجسمه علاوه بر خود اثر می‌تواند حقایقی را نیز راجع به شما و شخصیت‌تان نشان دهد.نخستین پرسشی که به‌‌هنگام عکس گرفتن از یک مجسمه باید از خود بپرسید، این است که دید خالق اثر را با دقت هرچه تمام تر می خواهید نشان دهید؟ و یا آنچه را که شخصا می بینید و حس خودتان است را به نمایش می گذارید؟ هر دور رویکرد جایگاه ویژه خود را دارند.قبل از اینکه دوربین را به سمت مجسمه بگیرید، سعی کنید کمی با آن وقت بگذرانید. در اطراف آن بچرخید و آن را به دقت از تمام زوایا بررسی کنید. چه ویژگی‌ها و جزئیاتی به نظر شما برجسته هستند و به آنها علاقه‌مندید؟ ترکیب خود را بر اساس این جزئیات انتخاب کنید.از اینکه زاویه‌ی دوربینتان غیرمعقول و یا غیر متداول باشد، نترسید و این را در نظر داشته باشید که مجبور نیستید کل مجسمه را در قاب دوربین خود جای دهید. در صورت تمایل می‌توانید بر روی یک منطقه‌ی خاص بزرگنمایی کرده و بقیه‌ی موارد را برش دهید.نورپردازیفارغ از بحث مجسمه‌سازی، عکاسی تماما یعنی نور و بدون نور نمی‌توانید عکاسی کنید. برای یک عکاسی موفق، باید کیفیات نور و تأثیری که بر روی نحوه دیده شدن سوژه‌ی شما می‌گذارد را کاملا درک کنید.مجسمه ذاتا یک رسانه‌ی سه بعدی است و شما باید این ویژگی آن را در عکسی که از آن می‌گیرید منعکس سازید. نورپردازی، نقش اصلی را در بخشیدن عمق (depth) به یک تصویر دارد.نورپردازی از کنار معمولا برای منعکس ساختن سه بعد، ایده آل است چراکه سایه‌های بلندی را بر روی مجسمه ایجاد می کند و تمامی برجستگی‌ها و جزئیات موجود بر روی سطح آن را نمایان می‌سازد. اگر بخواهید از نور طبیعی استفاده کنید، بهترین زمان برای این نوع نورپردازی، حوالی طلوع و غروب آفتاب است.اگر نورپردازی از روبه رو به صورت مستقیم انجام شود که این حالت شامل نوری که فلش خود دوربین به مجسمه می تاباند نیز می‌شود، سوژه‌ی شما را تخت نشان می‌دهد چراکه سایه‌ها در پشت مجسمه ایجاد شده و قابل رویت نیستند. این سایه‌ها هستند که به القای فرم سه بعدی کمک می کنند.اگر نور از پشت به مجسمه بتابد و یا به بیانی دیگر سوژه و دوربین ضد نور قرار بگیرند، مجسمه به صورت یک سایه نما و یا اصطلاحا سیلوئت ظاهر خواهد شد و سایه‌نماها نیز تخت بوده و القاکننده‌ی سه بعد نیستند.انتخاب از میان این موارد وابسته به آن است که چه چیزی را می خواهید نشان دهید. شاید سیلوئت یک مجسمه برای شما جذاب تر باشد.در آخر اگر ایده‌ای برای نورپردازی ندارید همچنان یک گزینه پیش روی شماست. پیرامون مجسمه بگردید و زاویه‌ای را که از آن مجسمه به چشمتان جذاب‌تر به نظر می رسد برای عکس برداری انتخاب کنید. بنابراین برای آزمایش کردن آماده باشید.پس زمینه (بک گراند)زمانی که ترکیب بندی عکس خود را انتخاب کردید، به پس زمینه ی سوژه‌ توجه کنید. اینکه شیئی نامربوط در تصویر تمرکز مخاطب را بر هم بزند اصلا جالب نیست.یک پس زمینه‌ی ساده و خلوت برای عکاسی از مجسمه گزینه‌ی مناسبی است چراکه توجه مخاطب تنها بر روی مجسمه باقی می ماند.اگر مایل هستید پس زمینه‌ی عکس تار و مجسمه واضح باشد، عمق میدان را کم در نظر بگیرید. تار شدن پس‌زمینه‌ی یک عکس و واضح نگه داشتن سوژه، باعث می‌شود عکس عمق داشته باشد و عوامل اضافی صحنه از بین بروند.ممکن است مایل باشید ترکیب مجسمه را به عنوان بخشی از محیط اطراف آن نشان دهید به طور مثال یک مجسمه را در مقابل بنایی باشکوه نشان دهید، در این حالت باید از عمق میدان وسیع‌تری استفاده کنید و همواره به یاد داشته باشید مجسمه و تنها مجسمه و نه پس زمینه می بایست کانون اصلی عکس شما باشد.پروانه سادات صنعتیپروانه سادات صنعتیFri, 19 Nov 2021 19:27:15 +0330https://virgool.ir/@niloufarabi.com/هفت-کوه-جادویی-seven-magic-mountains-mnx49vexfwx2زمانی که یوگو روندینونی (Ugo Rondinone) هنرمند سوئیسی، ساخت چیدمان منحصر به فردش را در صحرای نوادا خارج از لاس وگاس برای نمایشی دوساله، شروع کرد. نمی توانست پیش بینی کند که چه چیز در انتظار اوست.نام این اثر "هفت کوه جادویی" است. هفت برج رنگی که از روی هم قرار گرفتن چندین تخته سنگ‌ ساخته شده‌اند و هر یک بیش از 9 متر ارتفاع دارد.به گفته روندینونی، این مکان هم از بعد مکان فیزیکی و هم از نظر نمادین میان طبیعت و مصنوعیت قرار گرفته؛ طبیعتی که با رشته کوه ها، صحرای نوادا و پس زمینه دریاچه خشک شده ژان تعریف شده و مصنوعیتی که با بزرگراه و ترافیک مربوط به شهرهای لس آنجلس و لاس وگاس به وجود آمده است.ساخت این اثر در دسامبر ۲۰۱۵ شروع شد. در اولین مرحله، تخته سنگ‌ها در محل برش خوردند. چندین تخته سنگ غول پیکر برای این کار انتخاب شدند و سپس به تکه های کوچکتری برش داده شدند. در مرحله بعد تخته سنگ‌ها سوراخ شدند و پس از مغزه گیری، روندینونی تصمیم می گیرد که کدام یک از آنها به چه ترتیبی روی هم قرار گیرند و بدین ترتیب برج ها شروع به شکل گیری کردند. در آخرین مرحله زمانی که کار ساخت به اتمام رسید، هر برج رنگ آمیزی شد.این اثر توسط موزه هنر نوادا و صندوق توسعه هنر تولید شد. نمایش آن در 11 مه 2016 افتتاح شده و در ابتدا قرار بر این بود که دو سال در معرض نمایش باشد اما محبوبیت گسترده آن موجب شد تا روندینونی و تهیه کنندگان برای نمایش این اثر مدت بیشتری مجوز بگیرند. در اواخر 2018، آنها این نمایش را برای سه سال آینده تمدید کردند.پروانه سادات صنعتیپروانه سادات صنعتیTue, 09 Nov 2021 22:33:55 +0330https://virgool.ir/@niloufarabi.com/اثری-متفاوت-از-میکل-آنژ-jmsvnu09w2muپیتای روندانینی (Rondanini Pietà)، اثری است که میکل آنژ، مجسمه ساز بلند آوازه ایتالیایی از سال 1552 تا آخرین روزهای زندگی‌اش روی آن کار کرد. با استناد به تعدادی از منابع، سه نسخه از این اثر وجود داشته و این آخرین نسخه است. این مجسمه، از سنگ مرمر ساخته شده و امروزه در قصر سفورزا در میلان ایتالیا نگهداری می‌گردد.واژه‌ی روندانینی به این واقعیت اشاره دارد که این مجسمه برای قرن‌ها در حیاط کاخ روندانینی واقع در رم در کشور ایتالیا نگهداری شده است.جورجیو واساری، زندگی نامه نویس در سال 1550، به این مجسمه اشاره کرده و احتمال داده که نسخه‌ی نخست این اثر در آن زمان در دست ساخت بوده است.در این اثر، مریم مقدس را در حال عزاداری بر بالین بدن نحیف و بی جان مسیح با همان مضمون (پیتای 1499) به شکلی دیگر می بینیم. در زمان خلق این اثر، میکل آنژ از نزدیک بودن زمان مرگ خویش آگاه بوده درست همانند طراحی‌های آخرش که عیسای مصلوب را نشان داده و همچنین مجسمه ی شهادت مسیح که برای مقبره‎‌ی خودش آن را در نظر گرفته بود. وی تمام شش روز آخر زندگی اش را بر روی این مجسمه کار کرد.(پیتای 1499) (پیتای روندانینی)میکل آنژ بر روی پیتاهای زیادی کار کرده است اما پیتای روندانینی در سبک خود منحصر به فرد است.مریم باکره و کشیده قامت و مسیح او از ایدئالیسم کارهای پیشین و سبک اولیه‌ وی دور شده‌اند و گفته شده بیش از سبک رنسانس به فیگورهای ساده‌ شده‌ مجسمه‌سازی گوتیک شباهت دارد. برخی دیگر از کارشناسان، چهره‌های کشیده‌ی او را یادآور سبک به کار رفته در منریسم می دانند.میکل آنژ، جهت صورت مریم و موقعیت بدنی مسیح را تغییر داد تا اینطور به نظر برسد که پیکره‌ی مسیح از مریم بیرون آمده و دو فیگور به شکلی واحد ظاهر شوند و بدین صورت بر پیوند عمیق میان مادر و فرزند تاکید کند. در حقیقت میکل آنژ، بدن مسیح را از همان سنگی که مریم مقدس را ساخته، تراشیده است و مسیح به معنای واقعی کلمه از بدن او کنده شده است.این مجسمه از زوایای مختلف، حالات متفاوتی را را باز می نماید. به طور مثال، از زاویه ی نیم رخ و سه رخ چنین به نظر می‌رسد که مسیح پیکر مادر اندوهگین خود را بر دوش دارد.اگر از نمای پشت به این مجسمه نگاه کنید، این دو فیگور در یک شکل ادغام شده‌اند.پروانه سادات صنعتیپروانه سادات صنعتیMon, 08 Nov 2021 17:06:36 +0330https://virgool.ir/@niloufarabi.com/بررسی-آناتومی-جمجمه-انسان-sencyuk1hmr1یکی از مواردی که استادان بزرگ مجسمه‌سازی به شاگردان خود در ابتدای مسیر گوشزد می‌کنند، یادگیری آناتومی جمجمه، آناتومی بدن انسان و آشنایی با اجزای آن است. در این مقاله به بررسی استخوان‌های جمجمه و آناتومی آنها خواهیم پرداخت.جمجمه بخشی از اسکلت انسان است که از مغز و ساختار صورت محافظت می‌کند. جمجمه بدون در نظر گرفتن استخوان فک تحتانی، کرانیوم (cranium) نامیده می‌شود. کرانیوم خود به دو بخش جعبه مغزی (Brain case) و اسکلت صورت (Facial bones) تقسیم می‌شود.جمجمه‌ی انسان به‌صورت کلی از 22 استخوان تشکیل شده است. جعبه‌ی مغزی 8 استخوان دارد که 4 عدد از آنها فرد و 2 عدد زوج هستند.جعبه مغزینوروکرانیوم و یا جعبه‌مغزی شامل استخوان‌هایی است که قسمت کاسه‌ی سر را پوشانده و از مغز و ساقه مغز محافظت می‌کنند. این استخوان‌ها شامل استخوان پس‌سری، دو استخوان گیج‌گاهی که در طرفین سر قرار دارند، دو استخوان آهیانه، استخوان پیشانی، پروانه‌ای و پرویزنی هستند. در شکل زیر محل قرارگیری این استخوان‌ها همراه با معادل لاتین آنها را می‌بینید.استخوان‌های صورتاستخوان‌های صورت از نواحی قدامی و تحتانی جمجمه شروع می‌شوند و شامل استخوان فک پایین (mandibal) نیز می‌شوند. استخوان فک تحتانی به تنها مفصل متحرک موجود در جمجمه متصل می‌گردد. اسکلت صورت شامل استخوان‌ تیغه بینی، کانچ‌های بینی، جفت استخوان بینی، جفت استخوان فک فوقانی، استخوان فک تحتانی، جفت استخوان کامی که به آنها پالاتین نیز می‌گویند، جفت استخوان گونه و جفت استخوان اشکیدر شکل زیر محل قرارگیری این استخوان‌ها به‌همراه معادل لاتین آنها را با یکدیگر می‌بینیم.جمجمه همچنین شامل حفره‌های هوایی به نام سینوس (sinus) است. سینوس‌ها وظایفی نظیر سبک‌‌تر کردن جمجمه، جلوگیری از ضربه، طنین صدا و گرم کردن و مرطوب نگه داشتن هوای استنشاق شده توسط بینی را بر عهده دارند.حفره‌ی چشماربیت (Orbit)، حفره‌ی چشم است که چشم و زائده‌های آن در آن قرار می‌گیرد. اربیت‌ها حفره‌های مخروطی و یا هرمی چهارطرفه‌ای هستند که در خط میانی صورت باز شده و تا عقب امتداد می‌یابند. اربیت‌ها از چشمان ما در برابر آسیب مکانیکی محافظت کرده و دسترسی عصب بینایی به مغز را فراهم می‌کند.پروانه سادات صنعتیپروانه سادات صنعتیSun, 20 Sep 2020 16:48:02 +0430https://virgool.ir/@niloufarabi.com/کتاب-آناتومی-حالت-چهره-نوشتهی-اولدیس-زارینس-ic5ekws6drk8آنچه این کتاب را متمایز ساخته، استفاده از تصاویر سه بعدی رندر شده‌ از ماهیچه‌های روی هم قرار گرفته است تا شما بتوانید ساختار آنها را راحت‌تر درک نمایید. ارائه‌ی تصاویر به این شکل بسیار خوب عمل می‌کند. در این کتاب همچنین تصاویری از افراد واقعی، ساختار سه‌بعدی جمجمه‌ی انسان، پوشش ماهیچه‌ای به همراه امکان مقایسه‌ی آنها با رندرهای سه بعدی و همچنین عکس‌هایی که با رندرهای سه بعدی پوشیده شده‌اند برای شما فراهم شده است.تمامی گروه‌های عضلات به‌دقت از یکدیگر تفکیک و برچسب‌گذاری شده‌اند. در متن این کتاب همچنین راجع به نحوه‌ی عملکرد هر یک از عضلات نیز توضیحاتی داده شده و با فلش‌های جهت داری به شما نشان داده شده که آنها چگونه حرکت می‌کنند.به عنوان مثال، به شما توضیح داده می‌شود که چرا افراد سالخورده، چانه‌های برجسته‌تر و بیرون زده‌تری دارند و ساختار سر آنها برای شما تشریح می‌گردد.کیفیت مدل‌های سه‌بعدی و رندرها بسیار عالی و وضوح بالایی دارند. تولید این مدل‌های سه‌بعدی و گردآوری چنین منبعی تلاش بسیاری می‌طلبد و بسیار ارزشمند است.در نیمه‌ی دوم این کتاب، تصاویری از مدل‌ها در حالات چهره‌ی مختلف را نشان می‌دهد. این تصاویر دارای پوشش عضلانی سه‌بعدی هستند.به‌کارگیری واقعیت افزوده برای ارائه‌ی یک مدل سه‌بعدینکته‌ی برجسته‌ی دیگر در خصوص این کتاب این است که شما می‌توانید برای دیدن زوایای مختلف مدل با استفاده از واقعیت افزوده بر روی تصویر حرکت کنید. این واقعا خارق‌العاده است و درست مانند این است که شما در اطراف یک مدل واقعی راه بروید. شما می‌توانید برای استفاده از این قابلیت اپلیکیشن مربوطه را از آدرس Anatomynext.com دانلود کرده و با استفاده از آن، مدل‌های سه‌بعدی تولید شده در این منبع را مشاهده کنید.پروانه سادات صنعتیپروانه سادات صنعتیSat, 19 Sep 2020 00:33:48 +0430https://virgool.ir/@niloufarabi.com/کتاب-آناتومی-برای-مجسمهسازان-d3tsa4cj1rr1کتاب آناتومی برای مجسمه‌سازان (درک پیکره‌ی انسان)، اطلاعات زیادی را در مورد آناتومی بدن انسان ارائه می‌دهد. مخاطبین این کتاب تمامی مجسمه‌سازان و به طور کل تمامی افرادی هستند که به دنبال آناتومی به شکلی ساده و در عین حال دقیق هستند.درباره‌ی نویسندهاین کتاب توسط اولدیس زارینس، مجسمه‌سازی با تجربه‌ی بالغ بر 20 سال نوشته شده است. وی در طی سالیان متمادی طراحی‌ها، اسکیس و تحلیل‌های بنیادی‌ای درباره‌ی آناتومی بدن جمع‌آوری کرده و در طی این سال‌ها تلاش کرده تا به هنرجویان خود کمک کند و منبع خوبی برای آناتومی بدن و تبیین فرم‌های بدن انسان به آنها ارائه نماید. افراد زیادی به او پیشنهاد کردند تا تجربیات خود را در قالب یک کتاب به چاپ برساند و در نهایت این مهم صورت پذیرفت. این در شرایطی بود که جامعه‌ی هنری از فقدان کتابی مناسب برای جامعه‌ی مجسمه‌سازان رنج می‌برد.بررسی کتابدر این کتاب، تصاویر فوق‌العاده‌ای شامل عکس‌هایی از مدل‌های زنده با پوشش عضلانی، اسکن‌های سه‌بعدی، اسکلت‌،طرح‌های شماتیک، نمودارهایی حاوی نسبت‌های بدن و سایز سر به چشم می‌خورد.تصاویر مربوط به مدل‌های زنده برای مجسمه‌سازان بسیار مفید است. این تصاویر معمولا از زوایای مختلفی گرفته شده و سپس با طرح‌های ساده شماتیک که گروه عضلات را نشان می‌دهد پوشانده شده‌اند. تمامی اینها با پوشش رنگی کامل و زوایای متعددی ارائه شده است. شما واقعا می‌توانید از فرم و ساختار عضلات در این تصاویر ایده بگیرید.تفاوت بارز این کتاب با سایر کتاب‌های آناتومی موجود، گنجایش حالت‌های مختلف بدن است. در حقیقت علاوه بر فیگورهای ایستاده‌ی معمول، حالت‌هایی که در آن ماهیچه‌ها بسط داده شده و کشیده می‌شود مشابه پیچیدن ماهیچه‌ها در حالاتی که بازوها به سمت بالا، پشت سر حرکت می‌کنند و یا بر روی شانه قرار می‌گیرند نیز آورده شده است.این کمک کننده خواهد بود چراکه نیازی نیست حدس بزنید ماهیچه‌ها در موقعیت‌های خاص به چه شکل کشیده می‌شوند.  این در حالی است که در اکثر رفرنس‌های آناتومی موجود، تنها پوزیشن‌های مربوط به تمام رخ، نیم رخ و پشت بدن آورده شده‌اند و عضله‌ها را در حالت آرام نشان می‌دهند.بیشتر تصاویر این کتاب توضیح دارند. این توضیحات شامل برچسب‌ها، زیرنویس‌ها و نکاتی است که باید بدان ها توجه کنید. در کل این کتاب می‌تواند یک مرجع ضروری برای هنرمندان و مجسمه‌سازان باشد.در ادامه تصاویری از این کتاب را با یکدیگر می‌بینیم:پروانه سادات صنعتیپروانه سادات صنعتیFri, 18 Sep 2020 21:37:29 +0430https://virgool.ir/@niloufarabi.com/گفتگو-با-میچ-شی-مدیر-گروه-مجسمهسازی-در-آکادمی-هنرهای-زیبای-فلورانس-sfdjdaqhbedjمیچ شی، مجسمه ساز و طراح آمریکایی تبار است که در سال ۱۹۸۷ در آگوستا جورجیا متولد شد. وی تحصیلات خود را در آکادمی هنرهای سان فرانسیسکو در فاصله‌ی سال‌های ۲۰۰۷ الی ۲۰۱۰ گذرانده و مهارت‌هایی همچون تصویر‌سازی و فلزکاری را در این دانشگاه آموزش دید. از جمله کارهای او در دوره‌ی دانشجویی‌اش، کار بر روی چندین مجسمه‌ی یادبود در منطقه‌ی خلیج سان فرانسیسکو بوده است.میچ در سال ۲۰۱۱ به فلورانس نقل مکان کرده و شروع به یادگیری مجسمه‌سازی و طراحی در آکادمی هنرهای زیبای فلورانس نمود. او در طول دوران تحصیلش در این آکادمی، جوایز بسیاری گرفت و هنوز دوره‌ی تحصیلش تمام نشده بود که خود شروع به آموزش مجسمه‌سازی در سال ۲۰۱۳ کرد.وی اکنون مدیریت گروه مجسمه سازی در آکادمی هنرهای زیبا فلورانس را بر عهده دارد و همچنین ورک شاپ‌های آموزش مجسمه سازی در یونان و قبرس برگزار می‌کند.آثار او شامل ویژگی‌هایی همچون تعهد عمیق در مشاهده و به‌کارگیری یک سوژه برای خلق آثاری است که شامل درجه‌ای از جاذبه و فیزیک دنیای طبیعی است. آثار میچ را می‌توانید در مجموعه‌های خصوصی در سراسر آمریکا، اروپا و خاورمیانه پیدا کنید.در این مقاله، گفتگوی او پیرامون برخی سوالات از سوی علاقه‌مندان به یادگیری هنر مجسمه‌سازی که در یکی از شبکه‌های اجتماعی‌اش منتشر شده بود را برای شما آماده کرده‌ایم. چطور فهمیدید که به مجسمه‌سازی علاقه دارید؟من قبل از هر چیز یکی از علاقه‌مندان به مجسمه‌سازی هستم و این هنر را تحسین می‌کنم. امیدوارم آثار من سهم کوچکی در این عرصه ایفا کند. من هیچ برنامه‌ی از پیش تعیین شده‌ای برای ورود به این حوزه نداشتم.مجسمه‌ساز محبوب شما کیست؟خب.. تقریبا هر ماه تغییر می‌کند! اما در حال حاضر، خالق فراموش شده‌ی اثر شکار شیر آشوربانی‌پال (ازمجموعه نقش برجسته‌های امپراطوری آشور که در نینوا پایتخت باستانی دولت عاشور یافت شد.) است.آیا در مجسمه‌سازی شما به دنبال الهام می‌گردید؟ و یا الهام به سراغ شما می آید؟خب تا آنجا که می‌توانم به سفر می روم. تاکنون نشده به کشوری سفر کنم و همه چیز طبق انتظاراتم پیش برود. اتفاقاتی که برای شما در یک سفر می افتد و الهاماتی که از طریق مواجه با افراد در فرهنگ‌های مختلف به شما دست می‌دهد، چیزی است که نمی‌توان آن را در یک موزه یافت و یا با دیدن یک تصویر تجربه کرد.آشنایی با ایدئولوژی، مردم، هنر، معماری، غذا، زبان و سنت‌های ملل مختلف تجربه‌ای اعجاب‌انگیز را شکل می‌دهد.چرا مجسمه‌سازی را به عنوان رسانه‌ای برای انتقال عواطف و احساسات انتخاب کردید؟من این‌طور تصور می‌کنم که رسانه‌های مختلف از جمله قصه‌گویی در ادبیات، حرکات بدن در رقص و غیره همگی ماهیت ذاتی دارند. مجسمه‌سازی ذات قوی و ضد شکننده‌ای دارد که به آن امکان بیانی را می‌دهد که در رسانه‌های دیگر به سادگی نمی‌توان با چنین جاذبه‌ای به آن دست یافت.مجسمه‌های برنزی ریاچه، در حالی که ایستاده‌اند به‌دنبال چیزی که یک نقاشی استثنایی و یا یک کتاب فوق‌العاده و یا حتی بدترین رقص در جهان است نیستند. با این حال به عنوان مجسمه، طنین‌انداز هستند.دیدگاه شما نسبت به نحوه‌ی به‌کارگیری آناتومی در مجسمه‌سازی چیست؟من معتقد هستم هنرجوی مجسمه‌سازی می‌بایست آناتومی را تا بالاترین سطح یاد بگیرد و سپس در کم‌ترین حد از آن استفاده کند. در حقیقت آناتومی به ما نشان می‌دهد که در چه چیزهایی اشتراک داریم و تقریبا هیچ چیزی در مورد اینکه چه چیز ما را منحصر به فرد می‌سازد به ما نمی‌گوید.به نظر شما آیا مجسمه‌سازی می‌توان بر مهارت طراحی تأثیر گذاشته و آن را بهبود ببخشد و همچنین بالعکس؟بله. مجسمه‌سازان فیگوراتیو بزرگ همواره طراحان بزرگی نیز بوده‌اند. علاو‌بر این، هیچ مجسمه‌ی عالی‌ای وجود ندارد که ضعیف طراحی شده باشد. به نظر من طراحی و مجسمه‌سازی جدایی‌ناپذیرند.چگونه می‌توانیم مجسمه‌ساز خوبی باشیم؟خب.. من هنوز دارم سعی می‌کنم تا خودم این موضوع را بفهمم. اما من با این سوال از خودم شروع می‌کنم که چه کاری رو ستایش می‌کنم و چه کاری برای من ارزشمند است؟سعی کنید خودتان را به استاندارد آن کار نزدیک کنید هراندازه که برایتان سخت و طاقت‌فرسا باشد. به تحسین و ستایش کم از سوی دیگران راضی باشید و سعی کنید هر روز کمی پیشرفت کنید. و در آخر اینکه برای تمام عمر، یک هنرجو باقی بمانید.رویکرد شما از نظر ادراک و اجرا در سطوح شکل‌ها چگونه است؟من به سطح، بیشتر از یک مهارت اولویت نمی‌دهم بلکه تلاش می‌کنم تا ماهیت و توپوگرافی فرم را که در زیر سطح قرار گرفته کشف کنم. به این شکل ما کنترل فرم را به‌دست می‌گیریم و می‌گذاریم تا بر اساس درک بصری و طراحی مورد نظر بر روی سطح به‌درجات مختلف انعکاس یابد.ما از مفهوم زیبایی‌شناسی در مصر چه چیزی می‌توانیم یاد بگیریم؟منشأ رئالیسم از پادشاهی کهن است. برای یونان باستان مصر به‌مثابه چیزی است که یونان باستان امروزه برای ما است. ساختار، طول عمر و خلاصه‌ کردن مفهوم هنر تجسمی‌ای که هرگز قرار نبود دیده شود.پروانه سادات صنعتیپروانه سادات صنعتیWed, 16 Sep 2020 17:05:21 +0430https://virgool.ir/@niloufarabi.com/مایرون-الوترایی-مجسمهساز-آتن-sejp1ovfkzi6دیسکوپولوس (دیسک گردان)مایرون و یا میرون الوترایی مجسمه‌ساز یونان باستان در آتن بود و در بازه‌ی 440 تا 480 پیش از میلاد فعالیت می‌کرد. او در الوترای، شهر کوچکی در مرز بین بویوتیا و آتیک به دنیا آمد و بیشتر عمر خود را در آتن به‌سر برده است. در تاریخ طبیعی پلینی (دانشنامه‌ی تالیف شده توسط پلینی بزرگ که از زمان امپراتوری رم تا دوران نوین بر جای مانده و تمامی دانش‌های باستان را پوشش می‌دهد)، گفته شده آگلاداس مجسمه‌ساز مشهور یونانی، استاد وی بوده است.در این دانشنامه همچنین از مایرون به‌عنوان نخستین هنرمندی که به نمایش طبیعی در هنر دست یافت نام برده شده اما بهتر است بگوییم او نخستین مجسمه‌ساز یونان است که عنصر حرکت را با ترکیب‌بندی‌ای متناسب ترکیب کرده و به نمایشی جسورانه از حالت‌ها و مطرح کردن ریتم پرداخته است.شهرتمایرون الوترایی اغلب با برنز کار می‌‌کرد و به‌خاطر آثارش در به تصویر کشیدن ورزشکاران در حال عمل ورزشی از جمله تندیس دیسکوپولوس (دیسک گردان) به شهرت رسید. او در تندیس دیسک گردان به گفته‌ی مفسران در دوران باستان دست به انقلابی زده است.آثاراز میان آثار متعددی او تنها دو مورد تا به امروز باقی مانده: گروه آتنا و مارسواس (اسطوره‌ی یونانی که نوازنده‌ی فلوت است) که در آکروپایس آتن واقع بوده و پیکره‌ی دیسک پران (دیسکوپولوس) و از هر دو اثر کپی از جنس مرمر در دوران رم ساخته شده است.با استناد به دانشنامه‌ی تاریخی پلینی، چندین نسخه‌ی رومی کپی شده از گروه آتنا و مارسواس از جنس مرمر موجود بوده است. یکی از بهترین نسخه‌های موجود از مارسواس در مجموعه‌ی لاتران رم و همچنین نسخه‌ای از پیکره‌ی آتنا در مجموعه‌ای در شهر فرانکفورت است. بهترین نسخه‌ی کپی شده از تندیس دیسک پران نیز در موزه‌ی ملی رم واقع شده است. در ادامه این آثار را با یکدیگر می بینیم.آثار دیگری از مایرون وجود دارند که هنوز اثری از آنها و کپی آنها به دست نیامده است. از مشهورترین این آثار می‌توان به لاداس که مجسمه‌ی مربوط به یک دونده‌ی آرگوس (شهری در استان پلپونز در یونان) بوده است و  همچنین قهرمان المپیک و گاوی بنری که در بازار آتن ایستاده بوده اشاره نمود.مینوتور ( از اسطوره‌های یونان باستان، هیولایی با سرگاو و بدن انسان)، کپی رومی از کار مایرون که در موزه‌ی باستان‌شناسی آتن قرار دارد.پروانه سادات صنعتیپروانه سادات صنعتیSun, 13 Sep 2020 21:11:58 +0430https://virgool.ir/@niloufarabi.com/فیدیاس-مجسمهساز-یونان-باستان-asezqydzqeujفیدیاس یکی از مجسمه‌سازان، نقاشان و معماران یونان باستان بود. او را به‌عنوان برترین مجسمه‌ساز سبک کهن می‌شناسند. تندیس زئوس او در المپیا یکی از عجایب هفتگانه‌ی جهان است.طرحی از تندیس زئوس در المپیااو همچنین دو مجسمه از آتنا (الهه‌ی خرد و جنگاوری که نگهبان شهر آتن بود و نام این شهر را به افتخار او گذاشته‌اند) ساخته که یکی از آنها به نام آتنا پارتنوس در داخل نیایشگاه باستانی پارتنون در آکروپولیس آتن و دیگری با نام آتنا پروماکوس، مجسمه‌ای برنزی که در پروپیلیا دروازه‌ی ورودی آکروپلیس آتن واقع بوده است. لازم به ذکر است این دو مجسمه هر دو از بین رفته‌اند.پرتره‌ای از فیدیاسباستانیان بر این باور بودند که فیدیاس شاگرد هجیاس و آجلیداس از مجسمه‌سازان یونان باستان بوده است. در ادامه آثاری از این مجسمه‌ساز را با یکدیگر خواهیم دید.پروانه سادات صنعتیپروانه سادات صنعتیSun, 13 Sep 2020 15:39:13 +0430https://virgool.ir/@niloufarabi.com/آشنایی-با-مکاتب-هنری-از-رمانتیسیسم-تا-اکسپرسیونیسم-انتزاعی-femlht43fh8iرمانتیسیسم (1780 الی 1850)رمانتیسیسم طیف وسیعی از هنرها از جمله نقاشی، موسیقی، ادبیات و غیره را تحت تأثیر قرار داد. آرمان‌های موجود در این مکتب، نظم، هارمونی و عقلانیت را که به‌شدت در مکاتب کلاسیسیسم و نئو کلاسیسم پذیرفته شده بود را نفی می‌کردند. هنرمندان رمانتیسیسم در عوض بر روی فرد و قوه‌ی تخیل تأکید داشتند و بر روی نشان دادن اشتیاق و احساسات بیش از خرد و منطق کار می‌کردند.یکی از آرمان‌های رمانتیسیسم، قدردانی از طبیعت بود که هنرمندان را از فضای تاریک درون خانه‌ها بیرون آورده و به‌کار در فضای باز می‌گماشت.از نقاشان برجسته‌ی رمانتیسیسم می‌توان به یوهان هاینریش فوسلی که نقاشی‌های عجیب و ترسناکی را برای نشان دادن شکاف‌های تاریک روان انسان خلق کرده اشاره کرد. همچنین ویلیام بلیک شاعر که اشعار و تصاویر مرموز آن، دیدگاه‌های عرفانی و ناامیدی وی را از فشارهای اجتماعی که در آن می‌زیسته را نقل می‌کند.رئالیسم (1848 الی 1900)رئالیسم، اولین جنبش هنری مدرن، احتمالا در سال 1840 در فرانسه آغاز گردید. این جنبش دستاورد چندین رویداد از جمله جنبش ضد رمانتیسیسم در آلمان، ظهور روزنامه‌نگاری و ظهور هنر عکاسی بود. هر یک از این وقایع، انگیزه‌ی تازه‌ای را برای ثبت وقایع روزمره درست به همان شکلی که هستند را ایجاب می‌نمود. دقت، توجه به جزئیات و تصاویری که برگرفته از زندگی روزمره هستند از شاخصه‌های این مکتب هستند.گوستاو کوربه یکی از تأثیرگذارترین رهبران جنبش رئالیستی است. وی هنرمندی فرانسوی که تنها چیزی را که می‌بیند به‌تصویر می‌کشد.آرنووُ یا هنر نو (1890 الی 1910)آرنووُ که به معنای هنر نو است سعی در ایجاد جنبشی کاملا معتبر و عاری از هر گونه تقلید از سبک‌های پیشین خود داشت. این جنبش هنرهای کاربردی، گرافیک و تصویرسازی را به‌شدت تحت تأثیر قرار داد. این جنبش از ساختارهای طبیعی به‌ویژه خطوط و منحنی‌های سینوسی شکل تأثیر گرفته است.هنرمندان برجسته‌ی این مکتب در طیف وسیعی از رسانه‌های هنری از جمله معماری، گرافیک، دکوراسیون داخلی، ساخت جواهرات و نقاشی فعالیت داشته‌اند. آلفونس ماریا موشا، طراح گرافیک اهل چک با پوسترهای تبلیغاتی‌اش برای سارا برنرارد بازیگر شناخته می‌شود.آنتونی گائودی ای کُرنت معمار و مجسمه‌ساز اسپانیایی در آثارش از خطوط صاف فراتر رفته و برای سازه‌ها از خطوط خمیده و پر رنگ مشابه آنچه در بنای کلیسای ساگرادا فامیلیا در شهر بارسلونا خلق کره، استفاده می‌نمود.امپرسیونیسم (1885 الی 1865)نقاشان امپرسیونیست درصدد بودند تا دریافت فوری از یک لحظه را ثبت کنند. آنها این‌کار را با ضربات قلم‌موی کوتاه و سریع بر روی بوم و ایجاد طرحی که به نظر ناتمام می آمد انجام می‌دادند. هنرمندان امپرسیونیست، سوژه‌های زندگی مدرن را موضوع کار خود قرار داده و صحنه‌هایی همچون سالن‌های رقص و مسابقات قایق‌های بادبانی را به‌جای وقایع تاریخی و داستان‌های اساطیری به تصویر می‌کشیدند.کلود مونه هنرمند فرانسوی نخستین بار ایده‌ی تقدم بیان ادراکات، بر طبیعت را مطرح کرد و جریان امپرسیونیسم از این نقطه آغاز گردید. از آثار وی می‌‌توان نیلوفرهای آبی (1899)، بانو با یک چتر آفتابی (1875) و ادراک، طلوع خورشید (1872) که نام جنبش امپرسیونیسم از آن گرفته شده است را نام برد.پست امپرسیونیسم (1885 الی 1910)نقاشان پست امپرسیونیسم مستقل از هم کار می‌کردند اما تمامی نقاشان پست امپرسیونیسم تأثیرگذار، آرمان‌های مشترکی داشتند. آنها بیشتر بر مشاهدات ذهنی و نمادین و معانی شخصی متمرکز بودند تا واقعیت‌های که در جهان پیرامونشان دیده می‌شد. این مهم اغلب با به‌کارگیری اشکال انتزاعی به وقوع می‌پیوست.از نقاشان پست امپرسیونیسم می‌توان به ژرژ سورا اشاره کرد. وی نقاشی فرانسوی و به عنوان بنیان‌گذار جریان پست امپرسیونیسم (پسادریافت‌گری) شناخته می‌شود. او با کنار هم قرار دادن نقطه‌ها یک تصویر را خلق می‌کرد.وینسنت ون گوگ نیز به‌عنوان یک نقاش پست امپرسیونیسم شناخته می‌شود. او نیز آرمان سایر هنرمندان پست امپرسیونیسم یعنی همان بیان شخصی را به ارث برده و این کار را با ضربه‌های ضخیم قلم مو و رنگ‌های تیره بر روی بوم انجام می‌دهد.فوویسم (1900 الی 1935)جنبش فوویسم به رهبری آنری ماتیس بر پایه‌ی دستاوردهایی که آثار ون گوگ و  ژرژ سورا به همراه داشتند به وجود آمد. به‌عنوان نخستین آوانگارد (آثاری که ماهیتی تجربی، رادیکال یا نوآورانه دارند) قرن بیستم، شاخصه‌هایی همچون استفاده‌ی معنادار از رنگ‌ها، خطوط و ضربات قلم‌موی تند، طراحی تخت سطوح و ترکیب‌بندی‌های صاف را در بر دارد.همان‌گونه که در آثار خود ماتیس نیز مشاهده می‌شود، جداسازی رنگ از اهداف نمایشی و توصیفی آن یکی از عناصر اصلی  تشکیل‌دهنده‌ی این جنبش بود. فوویسم پیش زمینه‌ی شکل‌گیری جنبش‌های کوبیسم و اکسپرسیونیسم بود.اکسپرسیونیسم (1905 الی 1920)جنبش اکسپرسیونیسم به‌عنوان پاسخی در برابر جهان‌بینی‌های متناقض و از دست رفتن جایگاه معنویات ظهور کرد. هنر اکسپرسیونیسم درصدد بود با به‌کارگیری اعوجاج فرم‌ها و رنگ‌های تند درون هنرمند را منعکس سازد و تشویش‌های درونی و احساسات ناخودآگاه  او را به تصویر بکشد.نقاشان اکسپرسیونیسم  به دنبال حقیقت، الهام و مکاشفه بودند و فراتر از آرمان‌های هنر غرب و موزه‌های قوم‌شناسی بودند که تنها کارشان تجدید نظر در سنت‌های قومی و بومی و هنر قبیله‌ای بود.ریشه‌های اکسپرسیونیسم را می‌توان در آثار نقاشانی همچون پابلو پیکاسو، ادوارد مونک و جیمز انسور یافت. گروه‌هایی همچون دی بروکه و سوارکاران آبی که هر دو نقشی محوری در پیدایش جنبش اکسپرسیونیسم داشتند شکل گرفتند بنابراین هنرمندان می‌توانستند با پیوستن به این گروه‌ها آثار خود را منتشر و ایده‌های خود را به‌صورت جمعی بیان کنند.کوبیسم (1907 الی 1914)مکتب کوبیسم توسط پابلو پیکاسو و ژرژ براک پایه‌گذاری شد. آن دو به‌شدت با این عقیده که هنر می‌بایست طبیعت را کپی کند مخالف بودند و از تکنیک‌ها و دیدگاه‌های سنتی فاصله گرفتند. آنها اساسا اشیائی قطعه قطعه را به شکلی انتزاعی خلق می‌کردند.بسیاری از آثار نقاشان کوبیسم از سطوح صاف و دو بعدی، فرم‌های هندسی و مکعب اشیاء تشکیل شده‌اند که غالبا موضوع آنها حتی قابل تشخیص نیز نبودند.سورئالیسم (1916 الی 1950)سورئالیسم از جنبش هنری دادا با هدف نمایش هنری که منطق و خرد را به مبارزه می‌طلبد در سال 1916 پدید آمد. سورئالیست‌ها تفکر منطقی را نفی می‌کردند. آنها این روند تفکر را در وقایعی همچون جنگ جهانی اول مقصر می‌دانستند و معتقد بودند این نوع منطق تخیل را از بین می‌برد.سورئالیسم از کارل هاینریش مارکس و تئوری‌های که توسط زیگموند فروید مطرح شد، تأثیر گرفت. تئوری‌هایی که به کاوش روان انسان و قدرت تخیل پرداخته‌اند.از هنرمندان با نفوذ سورئالیست می‌توان به سالوادور دالی اشاره نمود. او برای به تصویر کشیدن مکاشفه‌های خود در زندگی روزمره و خیابان‌ها از ضمیر ناخودآگاه خود استفاده می‌کرد.آثار دالی  توأم با رؤیاهای زنده، عجیب و غریب با دقتی تاریخی است.اکسپرسیونیسم انتزاعی (1940 الی 1950)اکسپرسیونیسم انتزاعی از میراث سورئالیسم شکل گرفت. این جنبش پس از جنگ جهانی دوم در نیویورک ظهور کرد. از این جنبش با عنوان مکتب نیویورک نیز یاد می‌شود. نقاشان و مجسمه‌سازان این مکتب از آنچه متعارف بود فاصله گرفتند و به‌جای آن از ناخودآگاه و بداهه‌پردازی برای خلق انتزاع در آثار خود استفاده کردند. آثاری در مقیاس بسیار بزرگ که محدود به قاب بوم‌ها نبودند و بوم می‌توانست مستقیما بر روی زمین قرار بگیرد.از نقاشان برجسته‌ی اکسپرسیونیسم انتزاعی می‌توان به جکسون پولاک اشاره کرد. سبک منحصر به فرد او در نقاشی چکه‌ای شناخته شده است. مارک روتکو نیز از نقاشان اکسپرسیونیست تبار آمریکایی و لیتوانی تبار بود که در آثار خود از لکه‌های بزرگ رنگی برای منتقل کردن حس معنویت استفاده می‌کرد.پروانه سادات صنعتیپروانه سادات صنعتیThu, 03 Sep 2020 16:28:13 +0430https://virgool.ir/@niloufarabi.com/آشنایی-با-مکاتب-هنری-از-ماقبل-تاریخ-تا-نئوکلاسیسم-gv11q8ba5hqwپایه و اساس تاریخ هنر به ده‌ها هزار سال پیش باز می‌گردد زمانی که تمدن‌های کهن از ابزارها و تکنیک‌های موجود در آن زمان برای ترسیم موضوعات مهم فرهنگی خود استفاده می‌کردند. از آن زمان به بعد جنبش‌های هنری بسیاری رخ داد که هر یک سبک‌ها و ویژگی‌های منحصر به فرد خود را که شرایط اقتصادی و سیاسی زمان خود را انعکاس می‌دهند داشتند.ژانرهای هنری تأثیرگذار از دوره رنسانس تا ظهور مدرنیسم بدون شک رد پای محکمی در تاریخ بر جای گذاشته‌اند. امروزه با حضور هنرمندان بی‌شماری که در کارهای معاصر خود از آثار تاریخی به عنوان مرجع استفاده می‌کنند، آگاهی از تاریخ هنر و اهمیت ادوار مختلف برای مجموعه‌داران و هنردوستان ضروری است.در این مقاله سعی کردیم جنبش‌های هنری مهم را بر اساس زمان، ویژگی‌های بارز، هنرمندان شاخص و تأثیرات مهمی که هر دوره بر تاریخ هنر گذاشته است را بررسی کنیم.دوران ماقبل تاریخ (40000 الی 4000 سال قبل از میلاد)ریشه‌های تاریخ هنر به دوران ماقبل تاریخ و پیش از پیدایش خط باز می‌گردد. نخستین آثار باستانی به دوران پارینه سنگی یا همان عصر سنگ کهن باز می‌گردد. در این دوران انسان برای نخستین بار از ابزارهای دست‌ساز سنگی استفاده کرد. حکاکی بر روی سنگ، تصویرسازی،مجسمه و چیدمان‌های سنگی از آثار این دوران هستند.هنر از این دوره به استفاده از رنگدانه‌های طبیعی و حکاکی‌های سنگی برای نمایش اشیاء، حیوانات و آیین‌های حاکم بر یک تمدن روی آورد. از مشهورترین نمونه‌های این دوره، نقاشی‌های حک شده بر روی دیواره‌های غار لاسکو در فرانسه است. این نقاشی‌ها در سال 1940 کشف شدند و تخمین زده شده که قدمتی بالغ بر 20000 سال داشته باشد. در این نقاشی‌ها حیوانات و گونه‌های گیاهی منطقه به تصویر کشیده شده است.نقاشی‌های حک شده بر روی دیواره‌های غار لاسکوهنر باستانی ( از 4000 سال پیش از میلاد مسیح تا 400 سال پس از میلاد مسیح)هنر باستانی به‌دست تمدن‌های پیشرفته‌ای که دارای یک زبان مکتوب ثابت بودند پایه‌گذاری شد. این تمدن‌ها در مناطق بین‌النهرین، مصر، یونان و مناطقی در قاره‌ی آمریکا می‌زیستند. ماهیت هنر در این دوران وابسته به تمدن خالق آن بود اما بیشتر آنها موضوعات مشابهی همچون روایت یک داستان، تزیین اشیائی همچون کاسه و سلاح‌های جنگی، نمایش تصاویر مذهبی و نمادین و همچنین نشان دادن وضعیت اجتماعی حاکم بر آن زمان را دارا بودند. بسیاری از آثار مربوط به این دوره، حاکمان، خدایان و الهه‌ها را به تصویر کشیده‌اند.یکی از مشهورترین آثار مربوط به منطقه‌ی بین‌النهرین، قانون حمورابی است که در سال 1792 پیش از میلاد مسیح به دستور حمورابی پادشاه بابل نوشته شد. این قطعه شامل 282 ماده‌ی قانونی است که بر روی سنگی از جنس بازالت به ارتفاع 2/5 متر حکاکی شده و مزین به تصویری از پادشاه حمورابی، ششمین پادشاه بابل و شَمَش (Shamash) خدای خورشید بین‌النهرین است.قانون حمورابیهنر قرون وسطی ( سال 500 الی 1400 میلادی)قرون وسطی که اغلب با عنوان «دوران تاریکی» از آن یاد می‌شود، دوره‌ای است که اروپا زوال تاریخی و فرهنگی را تجربه کرده و با سقوط امپراتوری روم غربی در سال 476 میلادی آغاز گردید. بخش اعظم آثار هنری خلق شده در سال‌‌های نخستین قرون وسطی، تاریکی حاکم بر این دوران را منعکس می‌کنند و حاوی تصاویر زننده و مناظر وحشیانه‌ای هستند. هنر در این سال‌ها بر محوریت کلیسا می‌گشت. با گذشت هزاره‌ی نخست، کلیسا‌ها پیچیده‌تر و پر زرق‌ و برق‌تر شده و پنجره‌ها و دیوارنگاره‌ها با موضوعات کتاب مقدس و اساطیر کلاسیک مزین شدند.پرتره‌ی عیسی مسیح ساخته شده از موزاییک که در استامبول پایتخت ترکیه نگهداری می شودپیدایش متون مذهبی و همچنین سبک معماری گوتیک مربوط به این دوره بوده است.دوران رنسانس (1400 الی 1600 میلادی)سبک نقاشی، مجسمه‌سازی و هنرهای تزئینی مربوط به دوره‌ی رنسانس بر دو موضوع طبیعت و فردگرایی و نگاه به انسان به عنوان موجودی مستقل و به خود متکی، تمرکز دارد. گرچه چنین آرمان‌هایی در اواخر قرون وسطی نیز وجود داشتند اما در سده‌های 15 و 16 میلادی به اوج خود رسیدند علاوه بر اینکه تغییرات سیاسی و اقتصادی نظیر سکولاریزاسیون نیز با آنها هم‌زمان شد.دوره‌ی رنسانس در فلورانس ایتالیا به اوج خود رسید و بخش اعظم آن را مدیون خاندان ثروتمند مدیچی از طایفه‌ی بازرگانان بود که با قاطعیت تمام از هنر، انسان‌دوستی، اعتقادات و فلسفه‌های گوناگون مربوط به حوزه‌ی انسان و جایگاه آن حمایت کردند.فیلیپو برونلسکی (Filippo Brunelleschi) که به پدر معماری رنسانس معروف است و همچنین دوناتللو مجسمه‌ساز مشهور ایتالیایی، از مبتکران اصلی در این دوره بودند.رنسانس والا و یا رنسانس متعالی ( High Renaissance) در تاریخ هنر به بازه‌ی زمانی 1490 الی 1527 گفته می‌شود که با آثار هنرمندانی همچون داوینچی، میکل‌آنژ و رافائل شکل گرفته که هر یک قدرت خلاقانه و ایده‌های پیشرویی برای بیان عاطفی خود داشتند.شاخصه‌ی آثار هنری در دوران رنسانس، واقع‌گرایی، توجه به جزئیات و مطالعه‌ی دقیق آناتومی انسان می‌باشد. در این دوره هنرمندان از پرسپکتیو خطی استفاده می‌کردند و عمق را با سایه زدن بر روی کاغذ ایجاد می‌کردند.مونالیزا اثر لئوناردو داوینچیمدت اندکی پس از پایان رنسانس متعالی، هنر به لحاظ سبک تغییر کرد زمانی که دین مسیحیت و اومانیسم (انسان‌گرایی) راه را برای منریسم (تکلف‌گرایی) باز کردند.مَنِریسم (1527 الی 1580)هنرمندان منریسم از ایده‌آل‌های میکل‌آنژ، رافائل و سایر هنرمندان رنسانس متعالی برخاستند اما تمرکز آنها بیش از معنا بر روی سبک و تکنیک بود. در این دوره پیکره‌ها غالبا عضوهای برازنده و کشیده‌، سرهای کوچک، ویژگی‌ها مسبک و جزئیات اغراق‌آمیزی داشتند که منجر به شکل‌گیری ترکیب‌بندی‌های پیچیده‌تر و سبک وار گونه‌تری نسبت به آرمان‌های کلاسیک ترکیب‌بندی موزون و پرسپکتیو خطی ای که در دوران رنسانس به کار می‌رفت، گردید.اثری از جورجیو واساریاز مشهورترین هنرمندان منریستی می‌توان جورجیو واساری، فرانچسکو سالویاتی، دومنیکو بکافومی و همچنین برونتسینو نقاش ایتالیایی را می‌توان نام برد.باروک (1600 الی 1750)در دوره‌ی باروک که پس از منریسم می آید شاهد برتری هنرهای تجسمی و معماری هستیم. شاخصه‌ی هنر در این دوره، ابهت و غنا با تاکید بر خرد انسانی و کشف مسائل مربوط به جهان هستی است. هنرمندان باروک از نظر سبک پیچیده بودند.نقاشی‌های دوران باروک با درام همان‌طور که در آثار نمادین کاراواجو نقاش ایتالیایی و یا رامبراند نقاش هلندی مشهود است نشانه‌گذاری می‌شوند. نقاشان در این دوره از کنتراست شدید میان نور و تاریکی استفاده می‌کردند و با پالت‌های رنگی غنی‌شان، ترکیبات پرانرژی بر روی بوم می آفریدند.سلف پرتره اثر رامبرانت وان رینروکوکو (1699الی 1780)خاستگاه روکوکو پاریس بود و هنرهای بسیاری از جمله هنرهای تزئینی، نقاشی، معماری و مجسمه‌سازی را در بر می‌گرفت. روکوو به نسبت غنای کارها در دوره‌ی باروک، زیبایی را به شیوه‌ی سبک‌تر و ملایم‌تری ارائه داد. شاخصه‌ی روکوکو سبکی و لطافت و تمرکز بر روی به کارگیری فرم‌های طبیعی، زمینه‌ی نامتقارن و رنگ‌های لطیف است.نشاط،و به‌کارگیری رنگ‌های غنی و  تاره را در آثار نقاشانی همچون ژان آنتوان واتو و فرانسوا بوشه می‌توان دید. نقره، ظروف چینی و مبلمان فرانسوی معرف سبک روکوکو است. بسیاری از صندلی‌ها و گنجه‌ها در این آثار دارای فرمی خمیده هستند و نقوش گل‌دار و طلاکاری دارند.اثری از آنتوان واتونئوکلاسیسم (1750الی 1850)همان‌گونه که از نامش پیدا است، دوره‌ی نئوکلاسیسم عناصر مربوط به دوره‌ی باستانی کلاسیک را به کار می‌گیرد. ویرانه‌های باستانی تمدن‌هایی که در آتن و ناپل در آن زمان کشف شده بودند، اشتیاق نسبت به گذشته را بیدار کردند و هنرمندان تلاش کردند تا مجددا آثار هنری دوران باستان را خلق کنند. این منجر به شکل‌گیری علاقه‌مندی مجدد نسبت به ایده‌آل‌های هارمونی، سادگی و تناسب کلاسیک شد.هنرمندان نئوکلاسیک تحت تأثیر عناصر کلاسیک به ویژه تمرکز بر روی آرمان‌گرایی قرار گرفتند. آنها به‌ناچار تصاویر مدرن و مربوط به دوره‌ی خود را در آثارشان به تصویر می‌کشیدند.  به عنوان مثال آنتونیو کانووا در مجسمه‌های مرمرین خود از عناصر کلاسیک استفاده کرده اما در عین حال از ساختگی و مصنوعیت موجود در آثار کلاسیک نیز اجتناب می‌نمود.(توبه کننده ) اثر آنتونیو کانووا پروانه سادات صنعتیپروانه سادات صنعتیTue, 25 Aug 2020 17:16:15 +0430https://virgool.ir/@niloufarabi.com/جملاتی-در-باب-مجسمهسازی-udc1aqfme9viدر هر گرایش از هنر که باشی، دانستن دیدگاه دیگر هنرمندان نسبت به ماهیت و چیستی آن هنر خالی از لطف نیست... و شاید در ادامه‌ی مسیری که پیش روی ما قرار دارد بسیار تاثیرگذار باشد.در این نوشته دیدگاه برخی از مجسمه‌سازان و سایر هنرمندان را در باب هنر مجسمه‌سازی خواهیم دید.پروانه سادات صنعتیپروانه سادات صنعتیThu, 20 Aug 2020 16:49:17 +0430https://virgool.ir/@niloufarabi.com/مجسمه-سازی-چیست-در-باب-هنر-زیبای-مجسمه-سازی-dlaztdtmy7buمجسمه‌سازی را شاید بتوان ماندگارترین، بحث‌برانگیزترین و عالی‌ترین نوع از هنرهای زیبا (Fine arts) دانست. مجسمه‌سازی هنر شکل دادن به اشیاء در سه بعد است. بی‌شک این هنر نقش به‌سزایی در رشد و تکامل فرهنگ غرب داشته است. تاریخچه و پیشرفت سبک این هنر خود تاریخ هنر غرب را تشکیل می‌دهد.مجسمه‌سازی، دستاوردی فرهنگی از دوران شکوفایی جوامع یونان و روم بوده و نقش مهمی در توسعه‌ی هنر در دوران رنسانس ایتالیا داشته است. مجسمه‌سازی و معماری در کنار یکدیگر، شالوده‌ی اصلی هنر دینی برای چندین قرن بودند که نیروی محرک تمدن اروپا (1800-400) به شمار می‌رفت. حتی امروزه نیز با وجود تحول و پیدایش سبک‌های مختلف، مجسمه هنوز روشی پیشرو برای بیان و بزرگداشت چهره‌ها و وقایع تاریخی محسوب می‌گردد.در طول تاریخ، هنرمندان بزرگی به دنیای مجسمه‌سازی پا گذاشته‌اند. مجسمه‌سازان کلاسیک همچون فیدیاس، مایرون اِلوترایی، پولیکلیتوس اسکوپاس، لوسیپوس، پرکسیتلیز و لئوشاریز از مجسمه‌سازان یونان باستان، دوناتلو هنرمند و پیکره‌تراش متعلق به اوایل رنسانس (1466-1386)، میکل‌آنژ متعلق به دوره‌ی رنسانس والا (1654-1475)، جامبولونیا در اواخر رنسانس و منریسم (1608-1529)، برنینی بزرگ در دوره‌ی باروک (1680-1598)، آگوست رودن (1917-1840)، هنری مور (1986-1898)، پیکاسو (1973-1881)، کنستانتین برانکوشی (1957-1876) و دیمین هرست متولد 1965 را نام برد.شما می‌توانید نمونه‌های عالی از این هنر دیرینه را در معروف‌ترین موزه‌های جهان ببینید.مجسمه‌سازی، هنری در حال گسترشتعریف و معنای مجسمه‌سازی در قرن بیستم بسیار گسترش یافته است. با توسعه‌ی ابزارهای مجسمه‌سازی و فناوری‌های جدید، مجسمه‌سازان معاصر، امروزه از چنان مواد، ابزارها و طرح‌های متنوع و گسترده‌ای استفاده می‌کنند که دیگر نمی‌توان اصطلاح مجسمه‌سازی را محدود به خلق دسته‌ی خاصی از اشیاء و یا فعالیت‌های خلاقانه دانست بلکه بیشتر به شکلی از هنر همواره در حال گسترش می‌ماند که دائما در حال تکامل و باز تعریف است. مجسمه‌سازی سنتیهنر مجسمه‌سازی سنتی تا پیش از قرن بیستم، چهار مشخصه‌ی اصلی داشت:تنها فرم هنری سه بعدی بود.صرفا جنبه‌ی بازنمایی و نمایشی داشت.آن را صرفا هنر فرم جامد می‌پنداشتند و عنصر فضای خالی همواره در کنار حجم و جرم دیده می‌شد. علاوه بر اینکه این فرم جامد هیچ‌گونه حرکتی نداشت.مجسمه‌سازان سنتی تنها از دو تکنیک کندن (carving) و مدل‌سازی (modeling) استفاده می‌کردند. آنها یا به‌صورت مستقیم مجسمه را با کنده‌کاری بر روی متریال انتخابی خود همچون چوب و سنگ می‌ساختند و یا مجسمه را از درون آن با استفاده از گل، گچ، موم و مواد مشابه خلق می‌‌کردند.مجسمه‌سازان سنتی عموما از مجسمه‌های یونان و رم باستان الهام می‌گرفتند.مجسمه‌سازی مدرنهنر مجسمه‌سازی امروز دیگر محدود به مفاهیم مجسمه‌سازی سنتی، ابزارها و تکنیک‌های آن نیست. جنبه‌ی بازنمایی آن با انتزاع (abstarct) جایگزین شده و همچنین می‌تواند حالت جامد و بدون حرکت خود را از دست بدهد. در هنر مجسمه‌سازی مدرن، عنصر فضای خالی با دقت بیشتری برای نمایش یک مفهوم به کار گرفته شده و مجسمه می‌تواند تحرک و جنبش داشته باشد.امروزه برای ساخت یک مجسمه علاوه بر تکنیک‌های کندن و مدل‌سازی می‌توان از مونتاژ کردن، چسباندن و یا هولوگرام استفاده نمود. از این رو مجسمه‌سازی در دنیای مدرن امروز، فاقد چهار ویژگی عنوان شده در بخش پیشین می‌گردد.تغییر شکل مجسمه‌سازی در دنیای امروزپیش از این تاریخ هنر تنها دو فرم اساسی برای مجسمه‌سازی را می‌شناخت: مجسمه و نقش برجسته که خود نقش برجسته، بر اساس میزان برجستگی به سه نوعbas relief،haut-relief (نقش برجسته با میزان عمق و برجستگی کمتر از واقعیت) و sunken-relief (حجاری) تقسیم می‌گردید.امروزه فرم‌های جدیدی همچون هولوگرام و تندیس‌های جنبا و یا مجسمه‌های متحرک (mobile sculpture) به وجود آمده‌اند. بنابراین فرم‌های این هنر نیازمند بازتعریف است.تعریف امروزی هنر مجسمه‌سازیتنوع بی‌نظیر مواد و ابزار در قرن 21، تنها یک ویژگی مشترک برای تعریف مجسمه‌سازی باقی گذاشته است و آن چیزی جز سه بعدی بودن آن نیست. بنابراین هنر مجسمه‌سازی را امروزه این‌گونه می‌توان تعریف نمود:مجسمه‌سازی تنها شاخه از هنرهای تجسمی است که به شکل خاص با سه بعد و بیان یک مفهوم در سه بعد سروکار دارد.تاریخچه‌ی هنر مجسمه‌سازیپیشینه‌ی هنر سه‌بعدی مجسمه‌سازی به دوران ماقبل تاریخ (40000 الی 4000 سال قبل از میلاد) باز می‌گردد. نخستین آثار شناخته شده متعلق به عصر حجر هستند. ونوس برخات رم (شاید قدیمی‌ترین پیکره‌ی انسانی ) و ونوس تن تن هر دو قدمتی بالغ بر 230 هزار سال پیش از میلاد دارند. از آن زمان تاکنون، مجسمه‌سازان در تمامی تمدن‌های باستانی و نیز در تمامی جنبش‌های هنری مهم، فعالیت داشته‌اند.ونوس برخات رمپس از مجسمه‌سازی مصر باستان، قرون طلایی که در تکامل هنر مجسه‌سازی نقش اصلی را داشته‌اند، اروپای دوران کلاسیک یا اروپای دوران قدیم (500 تا 27 سال سال پیش از میلاد)، دوره‌ی گوتیک (1150 الی 1300 میلادی)، رنسانس ایتالیا (1400 الی 1600 میلادی) و دوره‌ی باروک (1600 الی 1700 میلادی) هستند.ونوس تن تنتئوری مجسمه‌سازیمجسمه‌سازی به علت ماهیت سه بعدی آن و تنوع بیشتر مکان‌هایی که به نسبت نقاشی می‌توان آن را در معرض نمایش قرار داد، مفاهیم مهم و مباحث نظری‌ای را شامل می‌شود که آشنایی با آنها در طراحی و ساخت مجسمه حائز اهمیت است در ادامه توضیحات مختصری در این باب آورده شده است.عناصر طراحی در مجسمه‌سازیدو عنصر اصلی در مجسمه‌سازی حجم و فضا هستند.عنصر حجم مهم‌ترین عنصر در مجسمه‌سازی است و شامل طول، عرض و ارتفاع است. از اتصال نقاط در یک صفحه، یک خط، از حرکت یک خط در فضای سه‌بعدی یک صفحه و از حرکت یک صفحه در فضا یک حجم به وجود می‌آید. در هنرهای تجسمی دو بعدی نظیر نقاشی، طراحی و یا عکاسی تنها می‌توان توهمی از حجم را با استفاده از اصول پرسپکتیو و سایه‌روشن ایجاد نمود.بنابراین عنصر حجم، توده‌ی جامد مجسمه است که با سطوح بیرونی آن احاطه شده است.عنصر دوم فضا است. فضا درحقیقت هوای پیرامون حجم را شامل می‌شود و از چند طریق حجم را تحت تأثیر قرار می‌دهد. نخست آنکه عنصر فضا ،مرزها و لبه‌های حجم را مشخص می‌کند. دوم آنکه فضا می‌تواند توسط بخشی از حجم محصور گردد و موجب ایجاد حفره‌ها و مناطق خالی در مجسمه گردد. سوم آنکه فضا می‌تواند بخش‌های مجزای یک مجسمه در فضا را با یکدیگر پیوند دهد.آثار مجسمه‌‌سازی جهان را می‌توان با توجه به نوع برخوردشان با این دو عنصر ارزیابی و تفکیک کرد. برای مثال برخی از مجسمه‌سازان بر روی عنصر حجم در مجسمه‌ی خود تمرکز می‌کنند درحالی که برخی دیگر می‌کوشند تا نشان دهند چگونه این حجم با فضایی که در آن قرار گرفته ارتباط برقرار می‌کند، نحوه‌ی حرکت آن در فضا و یا محصور کردن فضا در آن چگونه است. به‌عنوان نمونه مجسمه‌سازی مصر باستان را با آثار الکساندر کالدر و یا نائوم گابو مقایسه کنید.مجسمه‌سازی در مصر باستاناثری از الکساندر کالدرعنصر مهم دیگر در مجسمه‌سازی سطح می‌باشد. سطح می‌تواند بسته به تحدب و تقعر (برجستگی و فرورفتگی)، صاف و یا کج بودن و همچنین از طریق رنگ آن جلوه‌های بصری کاملا متفاوتی ایجاد کند.به طور مثال، سطوح محدب، رضایت، خرسندی، فشار درونی و پر بودن را القا می‌کنند. این درحالی است که سطوح مقعر فشار بیرونی، ناپایداری درونی و فروریختگی احتمالی را القا می‌کنند.نمونه ای از سطح محدب در مجسمه سازینمونه ای از سطح مقعر در مجسمه سازییک سطح صاف، نمی‌تواند هیچ‌گونه حس سه بعدی‌ را القا نماید درحالی که یک سطح مدل‌دار، سطحی که شامل برآمدگی‌ها و فرورفتگی‌هایی است که نور و سایه را منعکس می‌کند، قادر است فرمی سه بعدی که از تاریکی برآمده و یا به درون تاریکی فرو می‌رود را القا کند.اگرچه امروزه، رنگ‌آمیزی یک مجسمه امری متداول نیست اما بخش زیادی از مجسمه‌های ساخته شده در دوران باستان برای نمونه تندیس‌ها و نقش برجسته‌های مصری، یونانی و رومی و همچنین قرون وسطی (بناهای کلیسای جامع به سبک گوتیک) با رنگ و یا مواد رنگ‌آمیزی دیگر پوشانیده می‌شدند. این مواد شامل ورقه‌های طلا و نقره و سایر رنگ‌های گران‌بها بودند.از سویی دیگر برخی از مجسمه‌سازان مستقیما با کندن متریال‌های رنگی از جمله عاج، سنگ یشم، طلا و یا ترکیبی از مواد، مجسمه‌ی خود را می‌ساختند. رنگ بدون شک قادر است به یک سطح، ویژگی‌های مختلفی نظیر بافت، تناسب، عمق و شکل ببخشد.اصول طراحی مجسمهاصول طراحی مجسمه در حقیقت اصولی هستند که رویکرد و نوع برخورد مجسمه‌سازان با عناصری همچون جهت، تناسب، مقیاس، بیان و توازن را قانون‌مند می‌سازد و در ادامه به شرح مختصری از این اصول خواهیم پرداخت. جهتبرای ایجاد حس هارمونی، هماهنگی و یا ناهماهنگی در یک مجسمه، میان اجزای یک مجسمه، میان مجسمه و بیننده و یا میان مجسمه و فضای اطراف آن، مجسمه‌ساز اغلب بر اساس یک نقشه‌ی مکانی و یا طرح مرجع خاص کار می‌کند.این نقشه، مبتنی بر سیستم محورها و صفحات (planes and axes) است و مرجع قرار دادن آن برای حفظ نسبت‌های خطی میان موارد دیگر ضروری است. در اینجا از دو واژه‌ی صفحه (plane) و محور (axes) سخن به میان آوردیم. برای درک بهتر موضوع بهتر است ابتدا با این دو مفهوم آشنا بشیم.تمامی حرکات بدن انسان در صفحه‌های مختلف و پیرامون محورهای مختلف شکل می‌گیرد. صفحه‌ها، سطوح صاف فرضی است که بدن در یک موقعیت خاص بر آنها منطبق می‌شود و محورها، خطوط فرضی ای هستند که با زوایای مختلف بر حسب نوع حرکت بدن فرد با صفحه‌ها برخورد می‌کنند.موقعیت قرارگیری حالت بدن انسان معمولا با استناد به سه قاعده ی شناخته شده محاسبه و ساخته می‌شود:قاعده‌ی حرکت آناتومیکقاعده‌ی رو‌به رو نمایی (frontality): سبکی که در مجسمه‌های ایستاده کوروس (kouros) یونان کهن متداول بوده است.قاعده‌ی کنتراپوستو (contrapposto) یا کیاستیک: کلمه‌ای ایتالیایی است و به معنای «counterpoise» یا حالت تعادل است. در این حالت بیشتر وزن بدن بر روی یکی از پاها قرار گرفته و پای دیگر که آزاد است از قسمت زانو خم می‌شود. با انتقال وزن بر روی یک پا،شانه‌ها، باسن و نیز انحراف سر،آرامش و حرکت اندام‌ها حس زندگی را تداعی می‌کند. نمونه‌هایی از آثار میکل‌آنژ (1564-1475) و جامبولونیا (1608-1529) چنین حالتی دارند. واژه ی کنتراپوستو از زمان رنسانس متداول شد اما پیش از آن نیز، این حالت با نام کیاستیک حالت غالب مجسمه‌های یونانی در دوره‌ی کلاسیک متاخر در یونان باستان بوده است. تناسبنحوه‌ی برخورد مجسمه‌سازان با مقوله‌ی تناسب به طرز چشم‌گیری متفاوت است. برخی از آنها (مجسمه‌سازان مصری)، معیار تناسباتی سلسه‌مراتبی و غیر طبیعی داشتند؛ خدایان بزرگ‌ترین تناسبات، فرعون‌ها پس از خدایان و مردمان عادی کوچک‌ترین تناسبات را داشتند.برخی از فرهنگ‌های قبیله‌ای، سیستم‌هایی را به علت اعتقادات و تعصبات مذهبی و دینی اعمال می‌کردند که به عنوان مثال برخی از قسمت‌های بدن ( مثل سر) را در اندازه‌ی بزرگ‌تری ساخته شود.علاوه بر این موارد، حالت قرارگیری مجسمه ممکن است به تناسبات ویژه‌ای نیاز داشته باشد. به عنوان نمونه، یک تندیس انسانی که در بالای یک سازه‌ی بلند قرار گرفته ممکن است برای متعادل کردن تأثیر کوتاه دیده شدن از سطح زمین، به بالاتنه‌ی بلند‌تری نیاز داشته باشد.جامباتیستا تیه‌پولو، نقاش مشهور روکوکو، در خنثی کردن این اثر به‌هنگام خلق نقاشی‌های سقفی خود استاد بود.اثری از جامباتیستا تیه‌پولومقیاساین مهم به لزوم خلق مجسمه متناسب با مقیاس محیط پیرامون آن اشاره دارد. اگر در هر یک از کلیساهای جامع با معماری گوتیک قدم بزنید، مجسمه‌هایی با مقیاس‌های متنوعی را خواهید یافت که به‌زیبایی راهرو‌ها، نمای خارجی و سایر سطوح را تزئین کرده‌اند.علاوه‌براین، ممکن است گروه‌های خاصی از پیکره‌ها که چهره‌های کتاب مقدس را به تصویر می‌کشند، مقیاس‌های مختلفی داشته باشند.همبندی (اتصال)این اصل، چگونگی به هم پیوستن فرم‌ها و شکل‌ها در یک مجسمه را توضیح می‌دهد. مثلا اینکه چگونه اجزای مختلف بدن در یک فرم منفرد به یکدیگر می‌پیوندند و نیز چگونه اجزای مجزا کنار یکدیگر جمع می‌شوند.آگوست رودن، مجسمه‌ساز واقع‌گرای فرانسوی (1917-1840) برخلاف مجسمه‌سازان کلاسیک یونان باستان نظیر پلیکلیتوس و مجسمه‌سازان دوره‌ی رنسانس که واحدهایی مجزا از فرم کلی را ترجیح می‌دادند، پیوستگی سبک امپرسیونیسم را در مجسمه‌های خود ایجاد نمود.مجسمه ی اندیشه‌گر اثر آگوست رودنتعادلدر مجسمه‌هایی که مستقل از سازه نصب می‌شوند، عنصر تعادل شامل دو موضوع اصلی است. نخست آنکه بدنه‌ی مجسمه باید به لحاظ فیزیکی پایدار باشد و به سادگی بتواند حالت فیگور را حفظ نماید. تعادل را در مجسمه‌هایی که حالت خمیده و خزنده دارند به‌نسبت فیگورهای ایستاده مخصوصا در حالتی که به جلو و یا عقب متمایل شده‌اند، به علت سطح مقطع بزرگ‌تر، آسان‌تر است. اگر مجسمه به طور طبیعی ناپایدار باشد، باید از یک تکیه‌گاه استفاده کنیم .مساله دوم این است که از دیدگاه ترکیب‌بندی، مجسمه باید حس تعادل پویا و یا استاتیک را در بیننده القا نماید. بدون وجود چنین هارمونی‌ای، رسیدن به زیبایی تقریبا غیرممکن است.امیدواریم این مقاله برای شما مفید واقع گردد.پروانه سادات صنعتیپروانه سادات صنعتیSun, 03 May 2020 17:18:24 +0430https://virgool.ir/@niloufarabi.com/آشنایی-با-مکاتب-هنری-از-رمانتیسیسم-تا-اکسپرسیونیسم-انتزاعی-ppsnnnouosiaآشنایی با مکاتب هنری جهان شاید برای بسیاری از هنردوستان، مجموعه داران و به طور کل افرادی که نیاز به دانستن تاریخ هنر، جنبش‌های هنری و یا ژانرهای هنری تأثیرگذار در کار خود دارند همواره یکی از مسائل مهم بوده است. در این راستا یا باید به سراغ کتاب‌های تاریخ هنر همچون کتاب «تاریخ هنر اثر ارنست گامبریج»، هنر در گذر زمان اثر هلن گاردنر، تاریخ هنر جنسن، سبک‌ها و مکتب‌های هنری اثر ایان چیلورز و هارولد آزبورن و ... برویم و یا به سراغ اینترنت...تا جایی که به شخصه در فضای اینترنت به دنبال منابع فارسی تاریخ هنر و سبک های هنری گشته‌ام خیلی جسته گریخته به این موضوع پرداخته شده... به طور مثال در منبعی تنها مکاتب هنری مربوط به بازه‌ی زمانی محدودی بررسی شده و یا ژانرهایی که بیشتر نام آنها شنیده شده و متداول هستند بررسی شده‌اند. و در بسیاری از منابع حتی توضیحات اشتباهی درباره‌ی یک مکتب آورده‌اند! یکی از نکات بسیار مهمی که به نظر بنده در زمان مطالعه‌ی تاریخ هنر حائز اهمیت است، اشاره به بازه‌ی زمانی و ترتیب زمانی در پرداختن به این موضوع است.خلاصه خودم دست به کار شده، مقالاتی خوبی گیر آورده و سعی کردم به این موضوع بپردازم و خوشبختانه موفق به جمع‌آوری نسبتا خوبی شامل موارد زیر شدم:دوران ماقبل تاریخ (40000 الی 4000 سال قبل از میلاد)هنر باستانی ( از 4000 سال پیش از میلاد مسیح تا 400 سال پس از میلاد مسیح)هنر قرون وسطی ( سال 500 الی 1400 میلادی)دوران رنسانس (1400 الی 1600 میلادی)مَنِریسم (1527 الی 1580)باروک (1600 الی 1750)روکوکو ( 1699 الی 1780)نئوکلاسیسم (1750 الی 1850)رمانتیسیسم (1780 الی 1850)رئالیسم (1848 الی 1900)آرنووُ یا هنر نو (1890 الی 1910)امپرسیونیسم (1885 الی 1865)پست امپرسیونیسم (1885 الی 1910)فوویسم (1900 الی 1935)اکسپرسیونیسم (1905 الی 1920)کوبیسم (1920-1905)سورئالیسم (1916 الی 1950)اکسپرسیونیسم انتزاعی (1940 الی 1950)آپ آرت یا هنر دیدمانی (1950 الی 1960)هنر پاپ (1950 الی 1960)پووِرا آرت و یا هنر ضعیف (دهه‌ی 1960)مینیمالیسم (1960 الی 1970)هنر مفهومی (1960 الی 1970)هنر معاصر (از 1970 تاکنون) ( که می‌توان آن را به شاخه‌های پست مدرنیسم،فمینیسم، نئواکسپرسیونیسم، هنر خیابانی، هنر تخصیصی ، هنرمندان جوان بریتانیایی و هنر دیجیتال تقسیم نمود).برای هر یک از این مکاتب، توضیحی مختصر، شاخصه‌ها و هنرمندان بنیان‌گذار و پیشرو آن گردآوری شده و در سه مقاله با عنوان‌های از ماقبل تاریخ تا نئوکلاسیسم، از رمانتیسیسم تا اکسپرسیونیسم انتزاعی و از هنر دیدمانی تا هنر دیجیتال منتشر خواهد شد.در این مقاله قصد داریم بخش سوم از این سری مقاله ها یعنی «هنر دیدمانی تا هنر دیجیتال» که به زمان ما و در حقیقت به هنر معاصر نزدیک‌تر بوده و شاید کمتر مطلبی در مورد آن خوانده باشید رو بررسی کنیم. آپ آرت یا هنر دیدمانی (1950 الی 1960)پیشرفت تکنولوژی هم‌زمان با گرایش بشر به‌ سمت جلوه‌های بصری و استفاده از خطای دید، جنبش هنری آپ آرت که نام آن از واژه‌ی optical به معنای بصری گرفته شده را به وجود آورد. این جنبش با نمایشگاهی گروهی در گالری دنیس رنه در 1955 آغاز شد.هنرمندان پیرو این سبک، از اشکال، رنگ‌ها و الگوها برای خلق تصاویری که به نظر متحرک، لرزنده، پیش آینده یا پس رونده هستند، استفاده می‌کنند. این تصاویر و الگوهای انتزاعی برای کنتراست بیشتر اغلب به‌صورت سیاه و سفید و با هدف فریب چشمان و ایجاد هیجان در بیننده خلق می‌شدند.بریجیت رایلی هنرمند انگلیسی، یکی از برجسته‌ترین نمایندگان آپ آرت است. آثار وی در 1964 شامل خطوط سیاه و سفید درخشانی هستند که توهم یک آرایش مدور را ایجاد می‌کردند.اثری از بریجیت رایلیهنر پاپ (1950 الی 1960)پاپ آرت و یا هنر همگانی یکی از شناخته‌شده‌ترین تحولات هنری قرن بیستم به‌شمار می‌رود. این جنبش هنری در تضاد با متدهای به‌کار رفته در اکسپرسیونیسم انتزاعی به‌وجود آمد. سوژه‌های پاپ آرت اشیاء مادی و مربوط به زندگی روزمره‌ی انسان هستند که مصرف‌گرایی و رسانه‌های جمعی را به چالش می‌کشند.هنرمندانی همچون اندی وارهول که از بنیان‌گذاران جنبش پاپ آرت در دهه‌ی 1950 در ایالات متحده شناخته می‌شود و روی فاکس لیکتنستاین از برجسته‌ترین هنرمندان پاپ آرت تلاش کردند تا این ایده را به وجود بیاورند که ذاتا هنر می‌تواند از هر منبعی الهام بگیرد و هیچ‌گونه سلسله مراتب فرهنگی ای وجود ندارد که این اصل را بر هم زند.اثری از اندی وارهولپووِرا آرت و یا هنر ضعیف (دهه‌ی 1960)ترجمه‌ی لغوی این جنبش معادل «هنر ضعیف » است. این جنبش، مدرنیسم و سیستم‌های معاصر را با به‌کارگیری مواد معمولی و پیش پا افتاده در آثار به چالش می‌کشد. هنرمندان پوورا آرت برای برانگیختن احساسات انسان پیش از انقلاب صنعتی از خاک، سنگ، کاغذ، ریسمان و سایر عناصر مادی استفاده می‌کند. در نتیجه بسیاری از آثار برجسته‌ در این جنبش به شکل مجسمه نمود پیدا می‌کنند.ماریو مِرز هنرمند ایتالیایی به همراه دیگر هنرمندان ایتالیایی همچون گیووانی آنسِلمو و آلیگیرو بووتی با ترسیم تصاویری از زندگی روزمره، آثاری ضد نخبه‌گرا خلق کردند.اثری از ماریو مرزمینیمالیسم (1960 الی 1970)مینیمالیسم و یا ساده‌گرایی که به نام‌های هنر کمینه و یا هنر موجز نیز شناخته می‌شود در نیویورک ظهور کرد. گروهی از هنرمندان جوان شروع به زیر سؤال بردن آثار به شدت فلسفی، عمیق و پیچیده‌ی هنرمندان اکسپرسیونیسم انتزاعی بردند. هنر مینیمالیسم در عوض توجه خود را بر روی سادگی، ناشناس ماندن و توجه به مادیت آثار معطوف می‌داشت.هنرمندان مینیمالیسم از بینندگان می‌خواستند تا به‌جای همزادپنداری و پیدا کردن شباهت مابین اثر با واقعیات بیرون و عواطف خود، دقیقا بر روی آنچه مقابل آنها است، تمرکز کنند. آنها برای این‌کار از اشکال خالص، سادگی، نظم و هارمونی استفاده می‌کردند.فرانک استلا، هنرمند آمریکایی یکی از بنیان‌گذاران اولیه‌ی جنبش مینیمالیسم بود. نقاشی‌های سیاه غیرنمایشی او مابین سال‌های 1958 الی 1960 شهرت دارند که هر کدام یک الگو از نوارهای مستطیلی با عرض یکنواخت که با جوهر سیاه چاپ شده را نشان می‌دهند.اثری از فرانک استلاهنر مفهومی (1960 الی 1970)هنر مفهومی به طور کلی تمامی جنبش‌های پیش از خود را نقض نمود. در هنر مفهومی، ایده بر مؤلفه‌های بصری و اصول زیبایی‌شناسی اولویت و برتری دارد. شیوه‌های هنر مفهومی را می‌توان به موارد زیر تقسیم نمود.چیدمان (installation)مینیمالیسم (Minimalism)هنر اجرایی (Performance Art)هنر روایتی (Narrative Art)هنر زمینی (Land Art)هنر و زبان (Art And Language)هنر ویدئو (Video Art)هنر بدن (Body Art)هنر اتفاقی (Happening Art)هنر فرایندی (Process Art)اوا پارتوم هنرمند مفهوم‌گرای اهل لهستان بود. او برای خلق اشعارش، حروف الفبا که با کاغذ ساخته شده بودند را در مناظر مختلف بر روی سطح زمین پخش می‌کرد. این حرکت منجر به واسازی زبانی می گردید که در آن ساختارهای گرامری، نحوی و معنایی به کار گرفته می‌شدند تا الگوهایی خاص برای یک شعر را تعیین کنند.جوزف کسوت هنرمند آمریکایی و یکی از هنرمندان پیشرو در جنبش هنر مفهومی است. او تولید و نقش زبان در هنر را جستجو می‌کرد. در حقیقت او زبان و تصویر را در کنار یکدیگر برای خلق آثارش به کار می‌برد. همان‌طور که در اثر معروف او در 1965 با عنوان « یک و سه صندلی» مشاهده می‌شود. او یک صندلی را به سه طریق نشان داده تا معانی مختلف مربوط به یک شیء را نمایش دهد. از آنجایی که هنر مفهومی بر روی ایده و مفاهیم تمرکز دارد.، اثر او هیچ فرم و سبک مشخصی نداشت.یک و سه صندلی اثر جوزف کسوتهنر معاصر (از 1970 تاکنون)دهه‌ی 1970 آغاز هنر معاصر بود و تا امروز ادامه می‌یابد. این دوره تحت سلطه‌ی مدارس و آکادمی‌ها بوده و جنبش‌های کوچک‌تری شکل گرفته است. در ادامه به توضیح مختصری از این جنبش‌ها خواهیم پرداخت. پست مدرنیسم: در واکنش با مدرنیسم، هنرمندان این مکتب آثاری را خلق کردند که تردید، تمسخر و انتقادات فلسفی را منعکس می‌ساخت.هنر فمینیستی: این جنبش در تلاش برای تغییر کلیشه‌ها و شکستن مدل مرد سالاری که در طول تاریخ هنر وجود داشته به وجود آمد.نئو اکسپرسیونیسم: هنرمندان این جنبش سعی کردند تا صورت‌های اصلی اکسپرسیونیسم را احیا کنند و دست به خلق آثاری بزرگ، متنوع و بیانگر زدند.هنر خیابانی: هنرمندانی همچون کیت هارینگ، ژان میشل باسکیت، باری مکگی و بنکسی و غیره، هنرهایی همچون گرافیتی را بر روی سطوح مکان‌های عمومی همچون پیاده‌روها، دیوار ساختمان‌ها و فراز خیابان‌ها خلق می‌کردند.هنر تخصیصی: این جنبش بر روی به‌کارگیری تصاویر از پیش موجود با تغییر جزئی در آنها در هنر متمرکز است.هنرمندان جوان بریتانیایی: این گروه از هنرمندان لندن به‌خاطر تمایلشان برای شوکه کردن مخاطبان از طریق تصاویر و پا را فراتر از حد شایسته گذاشتن بدنام شدند. آنها همچنین به خاطر روحیه‌ی کارآفرینانه و سرسختشان به شهرت رسیدند.هنر دیجیتال: اختراع دوربین راه را برای این شیوه‌ی هنری هموار نمود و هنرمندان توانستند  هنر و فناوری را با یکدیگر ترکیب کرده و با رسانه‌هایی همچون کامپیوتر، نرم‌افزارهای صوتی و تصویری و پیکسل‌ها دست به آفرینش آثار هنری بزنند. پروانه سادات صنعتیپروانه سادات صنعتیSat, 11 Apr 2020 11:45:44 +0430https://virgool.ir/@niloufarabi.com/ایدهپردازی-رو-یاد-بگیر-قسمت-دوم-dxntwzldbenhدر بخش نخست این مقاله، به این نکته اشاره شد که خوشبختانه خلاقیت و ایده‌پردازی یادگرفتنی بوده و روش‌های ایده‌پردازی در علم و هنر مشابه هستند. در این مقاله به معرفی تعدادی دیگر از روش‌های پرورش ایده خواهیم پرداخت. نقش‌بازی (Role Playing)شاید باورتان نشود اما یکی از تکنیک‌های ایده‌پردازی، نقش‌بازی است! در این تکنیک هر شرکت‌کننده می‌تواند نقش یا رلی متفاوت با واقعیت خود را بازی کند. این تکنیک بسیار سرگرم‌کننده است و به افراد کمک می‌کند تا بازدارنده‌های احساسی و آنچه که در واقعیت مانع از بروز احساسات و افکارشان می‌شود را کاهش دهند و بدین شکل ایده‌های غیرمنتظره‌ای را به‌وجود آورند.فهرست کردن ویژگی‌ها (Attribute Listing)فهرست کردن ویژگی‌ها یک روش تحلیلی برای شناخت فرم‌های جدید یک سیستم و یا شناسایی زمینه‌های پیشرفت است. در این تکنیک برای بهبود و ارتقا یک محصول، این محصول به  مؤلفه‌های ساختاری آن تجزیه می‌شود، سپس ویژگی‌های مربوط به هر مؤلفه‌ لیست می‌گردد. پس‌ از‌آن هر ویژگی را از نزدیک بررسی می‌کنیم تا ببینیم می‌توان تغییر مثبتی در آن ایجاد کرد و یا خیر.بصری‌سازی و محرک‌های تصویری (visualization and visual prompts)بصری‌سازی به‌معنی به تصویر درآوردن یک مسأله برای درک بهتر آن است. این تکنیک شامل دو گام نهفته و هوشیار است. در این روش شرکت‌کننده به‌صورت مستقیم بر روی مشکل تمرکز نمی‌کند بلکه بر روی بخش کاملا متفاوتی کار می‌کند درحالی‌که ذهن او به صورت ناخودآگاه بر روی مسأله‏‌ی اصلی متمرکز است. به این مرحله، فاز نهفته می‌گویند.فاز نهفته کم‌کم وارد فاز روشن‌سازی می‌شود و ذهن شرکت‌کننده ناگهان به راه‌حل‌های متنوعی دست می‌یابد که باید تمامی آنها را به سرعت بر روی یک کاغذ یادداشت نماید.محرک‌های تصویری زمانی که مغز نیاز به برقراری اتصالات دارد بسیار کمک‌کننده خواهد بود. این محرک‌ها موجب می‌شوند، احساسات، عواطف و کشف و شهود فرد بیدار گردد. این محرک‌ها در تکنیک طوفان فکری برای خلق چالش‌هایی که افراد را درگیر خود کند و خلق موقعیت‌هایی که احساسات و عواطف آنها را برانگیخته و بیدار شدن خلاقیت آنها تاثیر به‌سزایی دارد.نحوه‌ی کار با محرک‌های تصویری بدین صورت است که مجری، مجموعه‌ای از تصاویر از پیش انتخاب شده را بین شرکت‌کنندگان توزیع می‌کند (هر شرکت‌کننده یک تصویر دریافت می‌کند). مجری از شرکت‌کنندگان می‌خواهد تا هر ایده‌ای که با دیدن تصویری که دریافت کرده‌اند به ذهنشان می‌رسد را بر روی کاغذ بنویسند. این تصاویر باید به‌لحاظ بصری جذاب بوده، چندین مفهوم را به تصویر کشیده و همچنین انسان‌ها را در انواع متنوعی از ارتباطات و تعاملات اجتماعی با دیگران به تصویر بکشد.در مرحله‌ی بعد، شرکت‌کنندگان دو‌به‌دو ایده‌هایشان را با یکدیگر به اشتراک گذاشته و با راهکار طوفان فکری، ایده‌های بیشتری را تولید می‌کنند. در نهایت هر جفت، ایده‌های خود را برای بقیه‌ی گروه ارائه می‌کنند.تحلیل ریخت‌شناسی (Morphological analysis)در تکنیک تحلیل ریخت‌شناسی،جنبه‌های ساختاری یک مسأله شناسایی و در خصوص روابط مابین آنها مطالعه می‌شود. برای مثال، فرض کنید مسأله‌ی ما حمل‌و نقل یک شیء از طریق یک وسیله‌ی نقلیه باشد. ابعاد این مسأله، نوع وسیله‌ی حمل (سبد خرید،تخت، صندلی و حتی پرتاب کردن)، منبع نیرو (موتور درون‌سوز، هوای فشرده، موتور الکتریکی)، رسانه‌ی انتقال (هوا، سطح سخت،ریل،غلطک، روغن و آب). در این مثال وسیله‌ی حمل‌ونقلی که از یک موتور درون‌سوز برای قدرت انتقال استفاده میکند می‌تواند اتومبیل باشد. بزمانی که یک مسأله را به مؤلفه‌های ساختاری آن شکستیم، می‌توانیم با ترکیب کردن راهکارهایی که به ذهنمان می‌رسد، به دستاوردهای خلاقانه‌ای برسیم.ارتباطات اجباری (Forced relationships)این تکنیک بسیار ساده است. در این روش شما ایده‌های متفاوت را با یکدیگر ترکیب می‌کنید تا به ایده‌ای خلاقانه برسید. ممکن است ایده و یا راهکار شما کاملا منحصربه‌فرد نباشد، اما به ترکیباتی خواهید رسید که مفید خواهند بود. اختراع بسیاری از محصولاتی که امروزه آنها را می‌بینیم، خروجی همین تکنیک هستند. به‌طور مثال نمونه‌های خاصی از ساعت دیجیتال وجود دارد که ترکیبی از ماشین‌حساب، کارت‌های تولد موزیکال و چاقوی ارتش سوئیس است. اکثریت این ایده‌ها ممکن است انقلابی نباشند اما باز هم محصولات سودمندی هستند و بازار خوبی در جوامع دارند.خیال‌بافی (Daydreaming)با‌ اینکه تاکنون اثباتی درباره‌ی این ادعا اعلام نشده اما خیال‌بافی یکی از بنیادی‌ترین راهکارهای برانگیختن ایده‌های بزرگ است. درست همان‌هایی که دنیا را تغییر می‌دهند! رؤیاپردازی به صورت غیر ارادی فرآیند تفکر آزادنه و بازیگوشانه را بیدار می‌کند، خلاقیت و کاردانی فرد را برای تولید ایده به‌کار گرفته و فرد را قادر می‌سازد تا با مسأله ارتباط عاطفی برقرار کند. در این تکنیک، در راستای یک موضوع مشخص حتی اگر به نظر کار غیرممکنی باشد شروع به خیال‌پردازی می‌کنیم. تعدادی قابل‌توجهی از مخترعین مشهور، از این متد استفاده کرده و ایده‌هایی را خلق کرده‌اند که دنیا را متحول ساخته است.ایده‌ی هواپیما یکی از مشهود‌ترین اختراعاتی است که با این تکنیک مطرح شد. اگر برادران وایت به فکر خود اجازه‌ی ایده‌پردازی دربازه‌ی پرواز انسان‌ها را نمی‌ددند، احتمالا ما هنور داشتیم با کشتی سفر می‌کردیم!تفکر معکوس (Reverse Thinking)همان‌طور که از واژه‌ی «تفکر معکوس» پیداست، در این متد، به جای اتخاذ روش منطقی و رویکرد نرمال نگاه کردن به قضیه، شما آن را معکوس کرده و به ایده‌های مخالف فکر می‌کنید. بیایید مثالی بزنیم. اگر مسأله این باشد که من چگونه می‌توانم تعداد هوادارانم را افزایش دهم به این فکر می‌کنم که چطور می‌شود هیچ هواداری نداشته باشم. تولید ایده برای یک چالش منفی به‌مراتب ساده‌تر و سرگرم‌کننده‌تر است. با این حال توصیه می‌شود زمان زیادی بر روی تکنیک تفکر معکوس نگذارید و 10 الی 15 ایده‌ی معکوس کافی است. پس از پایان جلسه‌ی اول می‌توانید در فضای تکنیک تفکر معکوس با یک چالش جدید شروع کرده و یا دوباره برای محکم‌کاری، مسأله را معکوس کنید. برای مثال شما چالش را به صورت «من هرگز نمی‌خواهم هیچ‌یک از شبکه‌های اجتماعی‌ام را به‌روز رسانی کنم» را به صورت «من همواره همه‌ی شبکه‌های اجتماعی‌ام را به روز خواهم کرد» می‌نویسید.این مقاله ادامه دارد...پروانه سادات صنعتیپروانه سادات صنعتیTue, 25 Feb 2020 21:57:08 +0330https://virgool.ir/@niloufarabi.com/فرق-بین-مجسمه-و-تندیس-چیه-zrjhlbyrhxaqدو واژه‌ی لاتین Sculpture و Statue که در فارسی هر دو را مجسمه، تندیس و امثالهم معنا می‌کنیم، اغلب اوقات به اشتباه به‌جای یکدیگر به‌کار برده می‌شوند. این مسأله تا جایی ریشه پیدا کرده که مورد داشتیم در کلاس‌های مجسمه‌سازی زمانی که در خصوص تفاوت این دو واژه سوال پرسیده شده پاسخ می‌دهند که تفاوتی ندارند و یکی هستند. حقیقتش را بخواهید تفاوت‌هایی میان معانی این دو واژه وجود دارد و ترجمه ی مناسب برای لغت sculpture، مجسمه و نیز لغت Statue، تندیس است. و اما تفاوت‌های این دو... واژه‌ی «Statue» یک مجسمه‌‌ی بزرگ از یک شخص و یا حیوان است و معمولا از موادی مانند سنگ و یا فلزاتی نظیر برنز ساخته می‌شود. از سویی دیگر واژه‌ی «Sculpture» یک اثر هنری بوده و امروزه تقریبا از هر چیزی مانند، سنگ، چوب، فلزات و یا حتی پارچه می‌تواند ساخته شود.علاوه بر این «Sculpture» یک اثر هنری منحصر به فرد است درحالی که این در مورد «Statue» صادق نبوده و تنها یک برداشت مستقیم از یک انسان و یا حیوان است. این یکی از مهم‌ترین تفاوت‌های میان این دو واژه است.اندازه‌ی یک «Statue» بایستی بزرگ‌تر و یا در اندازه‌ی طبیعی خود باشد درحالی‌که برای «Sculpture» هیچ محدودیتی وجود ندارد. یک «Sculpture» می‌تواند مفهومی مدرن داشته باشد درحالی که «Statue» چنین قابلیتی ندارد.بنابراین یک «Statue»، به احتمال بسیار زیاد مربوط به یک شخصیت حقیقی است درحالی که «Sculpture» مبتنی بر ایده‌پردازی و خلاقیت خالص است. برای نمونه اگر بخواهیم مجسمه‌ای از یک شخصیت مذهبی بسازیم و کار ما از جنس «Sculpture» باشد، نیاز به شباهت صد درصدی به این شخص نداریم و می‌توانیم از خلاقیت خود نیز استفاده نماییم. همان‌گونه که اسطوره‌های ما به چشم توسط مردم دیده نشده‌اند اما مجسمه‌سازان با به‌کارگیری خلاقیت و روایاتی که از آن‌ها در اختیار داشته‌اند، تندیس‌هایی از آنها خلق کرده‌اند.یکی از تفاوت‌های دیگری که برای این دو مفهوم ذکر شده مکان نمایش آنها است. «Sculpture» عموما در نمایشگاه‌های عمومی و یا انفرادی به نمایش گذاشته می‌شود. این درحالی است که گفته می‌شود «Statue» برای جشن ها و مراسم مذهبی به کار گرفته می‌شوند.کلام آخردر نهایت اینکه خالق اثر در ساخت یک «Sculpture» آزادی و اختیار بیشتری دارد و می‌تواند از خلاقیت خود استفاده نماید. شاید به همین علت است که در نگاه بیننده، جذاب‌تر و چشم‌نوازتر است.پروانه سادات صنعتیپروانه سادات صنعتیMon, 03 Feb 2020 20:08:31 +0330https://virgool.ir/@niloufarabi.com/ایدهپردازی-رو-یاد-بگیر-قسمت-اول-negjto3pdeiuایده‌ها در ذهن تمامی ما انسان‌ها جریان دارند، می‌آیند، می‌روند و متأسفانه اغلب اوقات نیز فراموش می‌شوند. با این وجود ایده‌های خارق‌العاده عمدتا از طریق الهام خلق می‌شوند. درست زمانی که افکار خودمان را از زندگی روزمره، تعلقات دنیوی و اندیشه‌های متعارف که تمامی مغز ما را پر کرده رها می‌کنیم، ایده‌های ناب به سراغ ما می‌آیند. یک ایده‌پردازی موفق عمدتا از سه مرحله‌ی خلق ایده‌، انتخاب ایده و تبدیل ایده به واقعیت تشکیل شده است. در این نوشته می‌خواهم شما را با برخی از تکنیک‌های متداول ایده‌پردازی در جهان آشنا کنم.تکنیک اسکمپر (Scamper)اسکمپر یک تکنیک ایده‌پردازی است که تلاش فیزیکی و یا ذهنی را به عنوان محرک اصلی به‌کار می‌گیرد و توسط باب اِبری (Bob Eberie) مطرح شد. این روش در حقیقت یک چک لیست شناخته شده است که به فرد کمک می‌کند ایده‌هایی را پیدا کند که به اصلاحات و تغییرات مثبت در محصول موجود بینجامد و یا چیزی را از نو خلق نماید.واژه‌ی «SCAMPER» مخفف افعالی است که در ادامه آمده‌اند:حرف S: از فعل «Substitute» به‌معنی جایگزین کردن گرفته شده است.حرف «C» از فعل «Combine» به معنی ترکیب کردن گرفته شده است.حرف «A» از «Adapt» به معنی سازگار کردن است.حرف «M» از «Modify» به‌معنی تغییر دادن است.حرف «P» از «Put to another use» به معنی استفاده در موارد دیگر است.حرف «E» از «Eliminate» به معنی حذف کردن گرفته شده است.حرف «R» از «Reverse» به‌معنی معکوس کردن گرفته شده است.تکنیک طوفان فکری (Brainstorming)در این روش، راه‌حل‌ها و یا به عبارتی ایده‌های زیادی در یک مورد خاص ارائه می‌شود. در این روش تعداد ایده‌ها مد‌نظر است و نه کیفیت آنهادر طوفان فکری هیچ‌گونه ارزیابی‌ای در مورد ایده‌ها انجام نمی‌شود بنابراین افراد می‌توانند بدون ترس از انتقاد و یا قضاوت ایده‌هایشان را آزادانه مطرح کنند. حتی از ایده‌های عجیب و غریب نیز استقبال خواهد شد. اصلا هرچه ایده عجیب و غریب‌تر باشد خفن‌تر است. محدود کردن ایده‌های عجیب و بی حد و مرز آسان‌تر از تبدیل ایده‌های کوچک به راه‌حلی موثر است. در طوفان فکری اغلب ایده‌های مختلف با یکدیگر ترکیب می‌شوند تا ایده‌ی خوبی را بسازند. طوفان فکری هم به صورت فردی و هم به صورت گروهی قابل انجام است. طوفان فکری عمدتا در گروه‌های 6 الی 10 نفره انجام می‌شود.تکنیک نقشه‌ی ذهنی (mindmapping)نقشه‌ی ذهنی یک تکنیک گرافیکی است که ارتباط میان تکه‌های مختلف اطلاعات و ایده‌ها را ترسیم می‌کند. هر واقعیت و یا ایده نوشته می‌شود و سپس با یک خط و یا منحنی به ایده‌های قبل و بعد از خود وصل می‌شود. به‌این ترتیب شبکه‌ای از ارتباطات ایجاد می‌شود.تکنیک نقشه‌ی مغزی توسط یک محقق آمریکایی به‌نام تونی بوزان (Tony Buzan) در 1972 در کتابی با عنوان « از کله ات استفاده کن» مطرح شد. جالب است بدانید از تکنیک نقشه‌ی ذهنی در جلسات طوفان فکری، برنامه‌ریزی پروژه، حل مسأله و یادداشت‌برداری استفاده می‌شود.هدف نقشه‌ی ذهنی، به‌دست آوردن و پیکربندی اطلاعات برای به‌اشتراک‌گذاری مفاهیم و ایده‌ها است. برای شروع تکنیک نقشه‌ی ذهنی، شرکت‌کننده تنها باید یک کلمه‌ی کلیدی را در وسط صفحه بنویسد. سپس باید هر آنچه در ارتباط با کلمه کلیدی به ذهنش می‌رسد را در همان صفحه بنویسد. در مرحله‌ی بعد باید سعی کند ارتباطات میان این کلمات را با یکدیگر پیدا کند.استوری‌برد (Story Board)در این تکنیک، یک داستان مصور برای تشریح و کاوش خلق می‌شود. استوری‌بردها به افراد خلاق کمک می‌کنند تا اطلاعاتی را که در طول تحقیقاتشان به‌دست آورده‌اند را به نمایش بگذارند. تصاویر، نقل‌قول‌ها و سایر اطلاعات بر روی یک تخته نصب می‌شوند تا یک سناریو را بسازند و این‌چنین به درک روابط بین ایده‌های مختلف کمک کنند.این مقاله ادامه دارد...پروانه سادات صنعتیپروانه سادات صنعتیMon, 03 Feb 2020 16:15:54 +0330https://virgool.ir/@niloufarabi.com/میخواهم-شاهکارهای-مجسمهسازی-شهری-را-ببینم-قسمت-سوم-hwxfq197xlvhدر این نوشته بخش سوم از سری مقالات شاهکارهای مجسمه‌سازی شهری جهان که پیش از این قسمت اول و قسمت دوم آن منتشر شد را با یکدیگر خواهیم دید.صعود اثر دیوید مکراکناین مجسمه اثر دیوید مک کراکن (David McCracken) است و از زاویه‌‌ای خاص مانند پله‌ای بی‌پایان به نظر می‌رسد. از این اثر در رویداد سالانه‌ی مجسمه ‌سازی در کنار دریا، در شهرک ساحلی بوندای در استرالیا رونمایی شد. پله‌ها به بیننده این تصور را القا می‌کنند که ارتفاعشان آن‌قدر بالا است که از جو زمین فراتر می‌رود اما این تنها یک توهم دیداری است.دیوید مک کراکن در ساخت مجسمه‌هایی که با قوانین پرسپکتیو بازی می‌کنند، استاد است. او از جلوه‌های بصری مرتبط با شبیه‌سازی فواصل استفاده کرده و آثار خود را خلق می‌کند. اگر از این اثر نمونه‌ی دیگری بسازیم که سایز آن با نزدیک شدن به بالاترین و دورترین نقاط از سطح چشم کوچک‌تر شود، تأثیر خود در القای حس بی‌نهایت به سمت ابرها را از دست خواهد داد.از جا بلند شده اثر اروین لورنت هروهاروین لورنت هروه مجسمه‌ای چشم‌گیر با عنوان از جا بلندشده (Popped Up) خلق کرده که مردی غول پیکر را در حالی که از زیر زمین بیرون آمده به تصویر می‌کشد. این مجسمه که از پلی استیرن (polystyrene) ساخته شده، در بوداپست پایتخت کشور مجارستان قرار گرفته و یکی از برجسته‌ترین آثار نمایشگاه بین‌المللی هنرهای معاصر بوداپست در 2014 بوده است.سایه اثر برنارداس بوکسستاره افشان از سری گرافیتی‌های غیرقانونی است که توسط یک هنرمند خیابانی بسیار پرکار به‌نام Morfai خلق شده است. او تعدادی ستاره بر روی دیوار موزه‌ی جنگ ویتاتاس بزرگ نقاشی کرد. زمانی که هوا تاریک شده و چراغ‌های خیابان‌ها روشن می‌گردد، سایه‌ی ستاره افشان که در حقیقت سایه‌ی مجسمه‌ای قدیمی اثر برنارداس بوکاس است بر روی دیوار، تصویر مردی را که با یک دست خود ستاره می‌افشاند را بر روی دیوار تشکیل می‌دهد.این اثر توسط مقامات دولتی با رنگ پوشانیده شد اما خوشبختانه از آنجایی که بسیار در بین مردم کوناس (واقع در جمهوری لیتوانی)  و در فضای مجازی محبوب شده بود، مورفای از سوی هیئت داوران این شهر مأمور به بازسازی آن شد. این بار ستاره‌ها نقاشی نشده بلکه از فلز ساخته شدند.کتابخانه‌ی در حال غرق شدن واقع در ملبورن استرالیااین مجسمه هم‌چون تمدنی از دست رفته در خارج از محوطه‌ی کتابخانه‌ی دولتی ویکتوریا در پیاده رو در حال غرق شدن است. این اثر یکی از مجسمه‌های محبوب ملبورن بوده و تکه‌ای معماری (Architectural Fragment) نامیده می‌شود. خالق این اثر پتروس اسپرونک (Petrus Spronk) است.خدای جنگ اثر هان میلینحتما انتظار دارید تندیس مربوط به یک الهه‌ی جنگ حماسی به نظر برسد. این مجسمه‌ی عظیم‏‌الجثه، گوان یو یکی از مشهورترین ژنرال ها در تاریخ چین را به تصویر کشیده که مردم آن را ستایش می‌کردند و به راستی حماسی است. خدای جنگ چین در پارک گوان یو در پارک گوان یو در جیانگژو (شهری مرکزی در جمهوری چین) قرار گرفته است. بیایید برای توصیف عظمت این اثر به ابعاد آن بپردازیم. مجسمه‌ی گوان یو 58 متر ارتفاع و 1,320 تن وزن دارد! بیش از 4000 قطعه برنز در این اثر به‌کار رفته است.خالق این مجسمه، هان میلین (Han Meilin)، هنرمندی چینی است که به خاطر طراحی‌هایش در المپیک 2008 پکن به خوبی شناخته شد. این یادبود به قدری بزرگه که یک موزه‌ی 8000 متر مربعی نیز درون آن قرار گرفته است.اسب‌های آبیبه نظر می‌آید می‌خواهند به انسان‌ها حمله کنند! این اسب‌های آبی در حقیقت مجسمه‌هایی هستند که بسیار خلاقانه در محدوده‌ی حیوانات آفریقایی در باغ وحش تای‌پی در میدان اسب‌های آبی نصب شده‌اند. این مجسمه یکی از خلاقانه‌ترین مجسمه‌های جهان محسوب می‌گردد. این میدان، قلب بسیاری از عکاسان و دوستداران هنر در سراسر دنیا را ربوده است.کفش‌ها اثر کن تاگای و گیولا پائراین کفش‌ها درست در مقابل ساختمان پارلمان مجارستان، در سواحل دانوب در شهر بوداپست قرار گرفته‌اند. شصت جفت کفش آهنین که به سمت رودخانه قرار گرفته‌اند یک داستان غم‌انگیز دارند. بیایید پرده از راز آن برداریم. این اثر در حقیقت، یادبود صدها انسانی است که جان خود را در مبارزه‌ای بی‌رحمانه با شبه نظامیان بوداپست در جریان جنگ جهانی دوم از دست دادند.پروانه سادات صنعتیپروانه سادات صنعتیMon, 27 Jan 2020 16:40:10 +0330https://virgool.ir/@niloufarabi.com/میخواهم-شاهکارهای-مجسمهسازی-شهری-را-ببینم-قسمت-دوم-ovipdplu2ydy با قسمت دوم از بررسی شاهکارهای مجسمه‌سازی شهری جهان همراه باشید.قطره‌ی باران اثر نزار بلیکنزار بلیک (Nazar Bilyk) هنرمند اوکراینی، این مجسمه‌ی بی‌نظیر را که 1.8 متر ارتفاع دارد خلق کرده است. این اثر «باران» نام داشته و از برنز و شیشه ساخته شده است. بر روی صورت این مجسمه درحالی‌که به آسمان می‌نگرد، قطره‌ی باران بزرگی نشسته است. این اثر دارای معانی گسترده‌ای از جمله ارتباط انسان با طبیعت می‌باشد.همان‌گونه که بلیک به ما خاطر نشان می‌کند نام اثر باران است که در نگاه اول، تطابق نام و محتوا بسیار واضح و آشکار به نظر می‌رسد. با این وجود این تصویر می‌تواند معانی گسترده‌تر و متنوعی داشته باشد که از میان آنها دیالوگ درونی مرد با خودش بسیار زیباست. این مرد با نگاه به سمت آسمان احساسات و سوالات بی پاسخ در زندگی خود را می‌جوید. قطره‌ی باران می‌تواند نمادی از گفتگو میان انسان با تمام اشکال حیات باشد.شبح سیاه کلایپداکلایپدا شهر ساحلی مجللی در لیتوانی و در حقیقت سومین شهر بزرگ این کشور است. گردشگران بسیاری از سراسر جهانی برای بازدید از بناهای تاریخی مربوط به قرن 13 میلادی، موزه‌ی دریایی و جشنواره‌های سالانه به این شهر می‌آیند. اما شاید این شهر را بیشتر با مجسمه‌ی عجیبی که از آب بیرون آمده و شبح سیاه نام دارد می‌شناسند. این مجسمه‌ی بی‌نظیر  2.4 متر ارتفاع داشته و از برنز ساخته شده است.خالقین این اثر Svajunas Jurkus و Sergejus Plotnikovas هستند. این شبح فانوسی را در یک دست خود درحالی‌که انگشتان بلند و شیطانی او به دور آن چسبیده، نگه داشته است. این شیح، مردی بدون چهره است. شبح سیاه کلایپدا که در نزدیکی قلعه‌ی memel قرار گرفته یک روایت تاریخی نیز دارد؛ شهر کلایپدا که توسط گروهی از پادشاهان توتنی (نژاد ژرمن قدیم) در اوایل قرن هفتم میلادی کشف شد، از قحطی قریب الوقوعی که یک شبح مرموز آن را پیش‌بینی کرده بود، نجات یافت. در این افسانه گفته شده که در سال 1595، یکی از نگهبانان قصر درحالی‌که مشغول قدم زدن در نزدیکی لنگرگاه بوده، شبحی را دیده که بالاپوش به تن داشته است. این شبح از او درباره‌ی میزان تولید غلات و ذخیره‌ی الوار و در خصوص اینکه آیا این میزان کافی است سؤالاتی پرسید. نگهبان به او پاسخ داده بود که آنها ذخیره‌ی خوبی دارند اما آن شبح به او هشدارهایی مبنی بر اینکه به‌زودی موجودی انبارشان پایین خواهد آمد داده و ناپدید شده بود. در پایان داستان، شبح سیاه با هشدارش، کلایپدا را از قحطی نجات داده و روح دوست‌داشتنی این شهر شد.دستان محافظاین مجسمه‌ی بتنی، 1.6 متر ارتفاع داشته و خالقین آن Eva Oertli و Beat Huber هستند. این مجسمه در ایالت گلاروس سوئیس در یک پارک واقع شده است. خالقین این اثر نام آن را «دست» گذاشته اما به دلایلی آشکار به‌نام «دستان محافظ» شهرت دارد.رهایی اثر زنوس فروداکیسهمان‌گونه که می‌دانید یک هنرمند در زمان حیات خود شاید به ندرت در دسته‌ی اسطوره‌های هنری قرار بگیره؛ با این وجود یک مجسمه‌ساز مستقر در فیلادلفیا صاحب چنین افتخاری شده است. زنوس فروداکیس (Zenos Frudakis) خودش را فیلسوفی می‌داند که افکارش را با گل به تصویر کشیده و عقاید او را در مخلوقاتش پیدا خواهید کرد. محبوب‌ترین اثر او «رهایی» و یا «شکستن قالب خود» است که در مرکز شهر فیلادلفیا قرار گرفته است. از این اثر به‌عنوان یکی از 10 اثر برتر پابلیک آرت در یک روزنامه‌ی سراسری در بریتانیا نام برده شده است.این مجسمه عرضی به طول 6 و ارتفاعی به طول 2.4 متر دارد و در سال 2001 رونمایی شد. زنوس فروداکیس با مخلوق خود به ما می‌گوید که باید از شرایط، قالب یا وضعیتی که در آن گرفتار شدیم، خودمان را رها سازیم، خواه یک نزاع درونی و خواه یک موقعیتی متضاد با ما….با وجود اینکه در این اثر، چهار فیگور را می‌بینید، این کار در حقیقت یک فیگور را نشان می‌دهد که از سمت چپ به راست در حرکت است. این ترکیب‌بندی از چپ به راست با فیگور مومیایی گونه و مرده که به پس زمینه‌ی خود قفل شده است شروع می‌شود. در قاب دوم، این فیگور یادآور «برده‌ی سرکش » اثر میکل آنژ است که شروع به تکان خوردن و تقلا برای رهایی می‌نماید. در قاب سوم، فیگور همچنان دارد خود را از دیواری که او را اسیر خود ساخته، رها می‌کند و سعی می‌کند تا از آن بیرون رفته و در جستجوی آزادی است. در قاب چهارم فیگور کاملا آزاد شده و  فاتحانه از قاب بیرون آمده و گورستان را پشت سر گذاشته است.فروداکیس در این اثر فضایی را برای بیننده خلق کرده تا درون آن بایستد و خودش را به‌عنوان بخشی از این اثر احساس کند. بر روی این قاب نوشته شده «اینجا بایستید».به یاد میهای امینسکو شاعر رومانیاییمیهای امینسکو (Mihai Eminescu)، شاعر، نویسنده و روزنامه‌نگار رومانیایی است. او را مشهورترین و تأثیرگذارترین شاعر رومانی و همچنین پایه‌گذار شعر نو در ادبیات رومانی دانسته‌اند. او توانست فرم و محتوای شعر رومانیایی را دگرگون کند. وی مکتبی را پایه‌ریزی کرد که به شدت شاعران و نویسندگان رومانیایی در اواخر قرن 19 و اوایل قرن بیستم را تحت تاثیر قرار داد. مجسمه‌ای که می‌بینید به عنوان یادبود چنین انسانی ساخته شده و در شهر onesti در کشور رومانی قرار گرفته است.با ادامه این داستان همراه باشید....پروانه سادات صنعتیپروانه سادات صنعتیSun, 26 Jan 2020 16:27:32 +0330